Tristezas de Portugal

No conozco Portugal, pero sí algo de su música, en particular el fado, la más conocida internacionalmente. Y con este pequeño conocimiento (bueno, en realidad más algún otro proveniente de la literatura y el cine), mi imaginación asocia ese país con una cuasi permanente melancolía. Es que el fado es muuuuuuuuuy melancólico y triste, tanto en la música como en sus letras. Y el origen del nombre aparentemente viene del latín fatum (destino), una etimología perfecta  para esos sonidos.
Lo que les voy a postear hoy no es fado (pese a que hay influencias notorias). Pero viene de Portugal , y si bien es menos dramático y fatalista, comparte una característica esencial del fado, ya que generalmente apela más a la nostalgia que a la alegría. Se trata del disco "Ainda" (1996), del grupo Madredeus, originalmente la banda de sonido de la película (que no he visto) Lisbon Story de Wim Wenders, pero cuya escucha es perfectamente independiente de ese film, y sin dudas encaja acabadamente en ese imaginario personal que mencionaba más arriba acerca de Portugal.
Madredeus fue fundado en 1985 por Pedro Ayres Magalhaes (guitarra) y Rodrigo Leao (teclados), a quienes pronto se unirían Gabriel Gomes (acordeón) y Franciso Ribeiro (violoncelo) y un poco después la cantante, de hermosísima voz, Teresa Salgueiro (en Ainda aparece también Jose Peixoto en guitarra). A fines de los '80 editan su primer disco, "Os Dias do Madredeus", y ya en los '90 comienzan a hacerse un nombre en la escena musical europea, especialmente a partir de la publicación de su segundo disco (muy recomendable), "Existir". Y es así que Wenders, quien ya conocía su música, los convoca para la banda de sonido, y de hecho para actuar también, en Lisbon Story, generando este precioso disco.
Lo que suena mezcla la tradición del folklore portugués y en general europeo, con algunas búsquedas innovativas que en los primeros discos (tal vez hasta "O Paraiso") son realmente atrayentes, y luego, progresivamente, comienzan, me temo, a transitar el azaroso rumbo de los tomates y acercarse a la new age,  en particular a partir del alejamiento de Leao, Ribeiro y Gomes (producido luego de la edición de Ainda), y la mayor presencia de instrumentos electrónicos en la música del grupo. Pero tranquilos, esto que les posteo no es new age, sino buena música, calma, reflexiva y bella. Son apenas diez canciones (las músicas son todas originales y las letras también, salvo en el caso de la primera canción, "Guitarra", que es de la tradición popular). "Guitarra" es tal vez la canción más enjundiosa del disco, un inicio que engaña un poco, ya que lo que sigue baja algunos cambios y nos lleva por los senderos de la nostalgia, la tristeza y/o lo bucólico. "Milagre" ya nos ubica totalmente en esa atmósfera, una canción de amor ausente de delicada textura, y donde la Salgueiro muestra el poder hipnótico de su voz. Con "Ceu du Mouraira" sigue la calma, pero con un espíritu un poco más optimista, y celebratorio de Lisboa. El instrumental "Miradouro de Santa Catarina" tiene una bonita melodía pero definitivamente prefiero los temas cantados en el caso de este grupo. "A Cidades e os Campos", donde sólo la guitarra acompaña a Salgueiro, es una canción preciosa pero un tanto angustiante,    
"Agora estou triste e sozinha

Nesta cidade escura e fria
Onde a vida é uma agonia"
En fin, no es el carnaval carioca por cierto ...
Sigue "O Tejo" (el río Tajo, que atraviesa Lisboa), una muy buena canción de aire sombrío. Luego, otro instrumental, "Viagens Interditas", más interesante que el anterior a mi juicio. La enjundia vuelve un poco con "Alfama", una especie de tanguito portugués, muy linda canción. El tema que da título al disco, "Ainda", es etéreo y soñador, y el cierre llega con "Maio Maduro Maio", a mi juicio una de las mejores canciones del disco, un cierre animado para un vinilo brumoso, sólo apto para escucha solitaria o en pareja.
Como ven, no hay sólo jazz y rock en el mundo del Coronel Kurtz. Acá va una muestra de muy buena música que cruza la tradición y lo moderno de manera excelente, un placer para el oído, aunque tal vez cierta pena para el alma. La belleza es efímera, así que disfrutemosla antes de que se marchite.

Ainda (Madredeus)

1. Guitarra
2. Milagre
3. Ceu do Mouraria
4. Miradouro de Santa Catarina
5. A Cidade e Os Campos
6. O Tejo
7. Viagens Interditas
8. Alfama
9. Ainda
10. Maio Maduro Maio

http://www.mediafire.com/?19w0c14a5kkzfxv



  

Grandes momentos de ocio

Grant Green pertenece al pequeño círculo de los grandes guitarristas de jazz (junto con Jim Hall, Django Reinhardt, Charlie Christian, Wes Montgomery, Pat Metheny, Kenny Burrell, Joe Pass y John Mc Laughlin, entre otros). Su trayectoria fue corta (murió joven, con apenas 44 años) pero intensa,  grabando varios discos solistas, y acompañando a grandes músicos de la época como Herbie Hancock, Mary Lou Williams, Jimmy Smith, Donald Byrd, Lee Morgan, Art Blakey o Hank Mobley. Uno de sus discos más valorados, y tal vez mi preferido entre los discos de jazz liderados por guitarristas, es Idle Moments, grabado en 1963, el cual estoy posteando hoy aquí. Los acompañantes de Green incluyen a dos músicos de excepción, Bobby Hutcherson en vibráfono (cuyo sonido le da un sabor especial, cool y moderno, al disco) y Joe Henderson en saxo. Asimismo tocan Al Harewood en batería, Bob Cranshaw en bajo y Duke Pearson en piano. El disco abre con la pieza del mismo nombre, "Idle Moments", un tema inspiradísimo de Pearson, que hace total justicia al nombre, te invita a tirarte en el pasto frente a algún río sin hacer nada, absolutamente nada, salvo escuchar algún blues como éste (bueno, si hay alguien que te gusta cerca le podes agarrar la mano y darle unos besos también). La historia  de la grabación es divertida, tal como la cuenta el propio Pearson. La melodía tenía 16 compases pero por una confusión los músicos la tocaron dos veces. Entonces Green hizo su solo y en lugar de tocar 16 compases, tocó el doble. Así que los tres solos siguientes tuvieron que repetir el mismo patrón, tocando 32 compases, primero Pearson, luego Henderson (si el disco consistiera sólo en escuchar su solo ya estaría justificado, te derrite) y finalmente Hutcherson. El pianista, que lideraba la sesión, se dio cuenta de que el tema había durado mucho más de lo previsto, aunque pensó que sólo habían tocado 8 o 9 minutos; pero en realidad habían estado tocando más de 15 minutos! Alfred Lion, el mítico productor de Blue Note, pidió que hagan una toma más corta, pero ninguna tuvo el feeling de la primera, así que (por suerte!) decidieron incluirla en toda su extensión. Yo no me canso de escuchar esta pieza, espero que a ustedes les pase lo mismo. A continuación viene un tema lleno de swing, "Jean de Fleur, del propio Green. Luego sigue "Django", un clásico del pianista John Lewis (del Modern Jazz Quartet), otro temazo, y la versión que hacen estos muchachos es tremenda, pareciera que la podrían tocar horas y horas, sin aburrir, estaban en llamas ese día! Green toca con una gracia increíble, sin artificios, y transmitiendo un sentimiento blusero a la canción. Los otros solos son igualmente inspirados y la base rítmica un reloj, en fin, una grabación notable. El cierre es con "Nomad", otro tema de Pearson, un fast tempo que da lugar al lucimiento de todos los músicos, especialmente de Henderson y Hutcherson. La edición en CD tiene dos tomas alternativas, una de "Jean de Fleur" y otra de "Django", más largas que las incluidas en el vinilo original; vale la pena escucharlas para ver que grado de compenetración había en el estudio, como hubiéramos dicho en los '70 los tipos se habían copado realmente, y estaban dispuestos a tocar sin escatimar ni tiempo ni energía ni creatividad.
En fin, les recomiendo vivamente este disco, bajenlo, escuchenlo, disfrutenlo, es uno de los momentos mágicos del jazz, cuando todo se combina para que salga una obra perdurable como ésta. Y cuando comience a sonar "Idle Moments" van a ver que todo el stress y la tensión del mundo moderno se diluyen en un segundo, prueba de que los milagros existen, especialmente cuando la música empieza a sonar.

Idle Moments (Grant Green)

1. Idle Moments
2. Jean de Fleur
3. Django
4. Nomad

5. Jean de Fleur (alternate take)

6. Django (alternate take)

http://www.mediafire.com/?5hvnf4u5q18iz15

Bailando a la luz de la luna

Pese a ser un músico extremadamente admirado tanto por la crítica como por sus colegas, tengo la impresión de que Van Morrison no es todo lo conocido (o reconocido) que debiera ser en algunos países. Si bien no es mi estilo en estos posts el de hacer recuentos de premios, digamos que cualquier visita a la web nos va a mostrar que eso no es lo que le falta a este muchacho. Y tampoco presencia en los charts de hits, ni público que quiera ver sus conciertos. Pero bueno, insisto, tal vez me equivoque, tengo para mí que hay gente que aún no se ha dado cuenta del tremendo valor de la música de Morrison, y de sus  excepcionales cualidades, como compositor y cantante fundamentalmente (también toca varios instrumentos, incluyendo guitarra, teclados y armónica).
Su música es un cruce de varias tradiciones, primariamente el rhythm and blues y el soul, pero también, como buen irlandés, la música celta, y su descendiente americana, el country, así como el jazz y el folk. La mayor parte de estas influencias están presentes en el vinilo que les voy a postear, el cual se llama "Moondance" y fue el tercero solista de Morrison (luego de abandonar el grupo Them, con quienes grabó, entre otras cosas, el hit "Gloria").
El disco comienza con la hermosa "And it Stoned Me", una canción de aire campestre y nostálgico. El segundo tema, "Moondance" es uno de mis  preferidos no sólo de Van Morrison sino en general de la historia del rock. No me canso de escuchar esta canción, con su aire jazzy (gracias fundamentalmente al walking del bajo, el rasgueo de la guitarra y el uso de los vientos), su letra romántica "Well, it's a marvelous night for a moondance, with the stars up above in your eyes" y la performance tremenda de Morrison en la voz. "Crazy Love" es una balada, intimista, con unos sugerentes coritos femeninos. En "Caravan" Morrison muestra su poderosa voz, es una canción folk-soul sobre memorias, en este caso sobre viajes y la radio. "Into the Mystic" es otro punto alto del disco, un precioso tema folk, con una letra justamente "mística": "We were born before the wind, also younger than the sun", "Come Running" nos muestra una faceta que VM cultivó mucho, y muy bien (como en este caso), que es el rhythm and blues, un tema ligero y pum para arriba. "These Dreams of You" tiene un aire entre country y soul, un tema muy agradable de escuchar, aunque tal vez el menos interesante del disco. "Brand New Day" es una balada también contagiada por el soul, un tema perfecto para poner clima romántico en cualquier encuentro. El cierre es con dos canciones que te dejan contento, "Everyone", el tema más pop del disco, y "Glad Tidings", una canción con un ritmo tremendo que te pone a mover los pies mientras tarareas el "la la la la" del estribillo.
A ver si bajan entonces este disco, no tiene contra, gran música, gran cantante, romance, recuerdos, espiritualidad y optimismo, no hay más para pedir. Y si les gusta, y no conocían a Morrison, pueden seguir, por ejemplo con el disco anterior, otra gema, "Astral Weeks", con "Into the Music", con "Too Long in Exile", con el tremendo doble en vivo en San Francisco o si les gusta la movida celta, con el disco que grabó con los Chieftains (y hay muchos más, el tipo tiene más de 40 años de carrera). Y para la próxima primavera (u otoño, dependiendo donde estén), recuerden que cualquier noche puede ser "A Marvellous Night for a Moondance".

Moondance (Van Morrison)

1. And it Stoned Me

2. Moondance

3. Crazy Love

4. Caravan

5. Into the Mystic

6. Come Running

7. These Dreams of You

8. Brand New Day

9. Everyone

10. Glad Tidings

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Debutando

Hacía fácil 25 años que no escuchaba este disco que les estoy posteando. Y suena de puta madre aún hoy, como tuve el placer de comprobar hace unos días. Es un disco histórico porque fue el debut como líder (con solo 21 años) de un joven prodigio de la guitarra llamado Pat Metheny (que había sido descubierto por el excelente vibrafonista Gary Burton y había tocado con este último en sus discos "Ring" de 1974 y "Dreams so Real", de 1975). Metheny luego se convertiría en el guitarrista más reconocido de la escena del jazz en los últimos 30 años, alcanzaría una fama que trascendió las fronteras del género (cosa que mucha gente nunca le perdonaría) y definiría un estilo propio e inconfundible como ejecutante de su instrumento. Y esto no es todo. Porque en el bajo aparecía otro pibe que se estaba abriendo camino en el negocio de la música, un tal Jaco Pastorius. Pat y Jaco se habían conocido un par de años antes en Miami y habían tocado en un proyecto de Paul Bley grabado en 1974 (el título original del disco era "Pastorius, Metheny, Ditmas, Bley", luego fue conocido de manera extraoficial como "Jaco"), pero este disco fue editado por un sello independiente y nunca alcanzó mayor distribución (no he tenido la oportunidad de escucharlo). Y en 1975 graban, junto con el baterista Bob Moses (que también había tocado con Burton), un disco llamado "Bright Size Life", en el prestigioso sello alemán ECM, quien lo edita en 1976. Ese mismo año sale el disco debut de Jaco, "Jaco Pastorius", y se une a Weather Report. Y se convierte en el bajista más influyente de la música popular moderna, en una carrera meteórica que lo llevaría al estrellato y luego a la locura y la muerte.

Así que "Bright Size Life" reunía a dos tipos que pasaron en poco tiempo de ser desconocidos a convertirse en las referencias ineludibles de la guitarra y el bajo en la música popular de ahí en adelante. Y acá se escucha como estos muchachos ya tenían sus respectivos estilos de tocar consolidados, dos sonidos inconfundibles (y en el caso de Jaco un estilo revolucionario), que uno reconoce apenas empiezan a sonar las primeras notas. Y por supuesto Jaco no se limita a prestar un soporte rítmico, sino que se convierte en una segunda voz melódica detrás de la guitarra de Pat, trabajando incansablemente dentro de las armonías de cada canción. Es un verdadero placer escuchar como fluye la interacción bajo-guitarra en este disco, como si estos dos tipos hubieran estado tocando juntos 30 años.

Me atrevería a decir además que se trata probablemente del mejor disco de Metheny, o seguramente al menos uno de los tres mejores, lo cual mucho nos dice de los valores de la música que les propongo escuchar, aunque también de cierto estancamiento creativo que atrapó a Pat desde mediados de los '80 en adelante.

El disco tiene apenas ocho temas. Todos son de Metheny, excepto el último, que es un medley de dos temas (Round Trip/Broadway Blues) de uno de los héroes de Pat, el revolucionario saxofonista Ornette Coleman. Es claramente un disco de jazz, pero está surcado en su mayor parte por el sonido del Medio Oeste (Metheny es de Missouri) que impregna casi todas las melodías. Abre con "Bright Size Life", un tema bastante rápido y complejo, con excelentes solos de Pat y Jaco. "Sirabhorn" y especialmente "Unity Village" anticipan el tipo de tema soñador que tanto cultivaría Metheny como autor a lo largo de su carrera (el segundo es uno de mis temas preferidos de este disco, Metheny toca una melodía hermosa con dos guitarras sobregrabadas). "Missouri Uncompromised" se acerca al free en algún momento, el trío está en llamas, otro pico alto del disco. El título de "Midwestern Night Dreams" ya nos dice todo sobre la canción, la mejor del disco a mi gusto, una balada que empieza con una intro volada de Pat en la guitarra para dar lugar lugar a Jaco tocando la melodía e improvisando con su bajo, con un gran lirismo. Un tema para escuchar vaso de whisky en mano, sutil y emocionante, pocas veces un bajista ha tocado cosas tan bellas como aquí. "Unquity Road" es otro tema rapidito para el lucimiento de Pat. "Omaha Celebration" es bien alegre, como su nombre lo indica una celebración campestre, relajada, que te pone de buen humor. Y el cover final de los temas de Ornette es el track más jazzero del disco, Pat y Jaco acá se tocan todo, en un verdadero duelo de genios, que empieza con aire free y termina en un hard bop encendido.

Este disco es esencial para todo aquel al que le guste el jazz, no es una simple referencia histórica cuyo valor se debe a que fue el debut o cuasi debut de dos grandes músicos, sino que es un gran disco, una obra que merece ser escuchada con atención porque aquí estaban pasando cosas nuevas y buenas. No lo piensen dos veces, hagan click abajo y bajen este vinilo, se van a encontrar no sólo con grandes dosis de virtuosismo, sino también con una música vital y creativa, y con una interacción telepática entre músicos extraordinarios. Y cuando la escuchen la van a pasar muy bien, tanto que les prometo que van a tener este disco sonando en vuestros reproductores por un largo rato.

Bright Size Life (Pat Metheny)

1 Bright Size Life 

2 Sirabhorn

3 Unity Village

4 Missouri Uncompromised

5 Midwestern Nights Dream 

6 Unquity Road

7 Omaha Celebration

8 Round Trip/Broadway Blues

http://www.mediafire.com/?3slh32b47gcsu8s

Música de garage

Se imaginan un mundo en donde la música está prohibida, que pesadilla no? Ese verdadero apocalipsis, peor que el cambio climático, peor que la guerra nuclear, es el que inspira la opera rock Joe's Garage, del genial compositor y guitarrista y ultra ácido y provocador letrista, Frank Zappa. Ya posteé algo de este músico extraordinario (el demencial Bongo Fury, en dúo con el Capitán Beefheart, http://vinilorabioso.blogspot.com/2010/09/humor-delirio-y-musica-en-texas.html). Y ahora les propongo un poco más de humor y locura, con este disco que si bien no es el que más me gusta de Zappa desde un punto de vista estrictamente musical (ahí elijo Hot Rats o One Size Fits All, no pasará mucho tiempo antes de que postee alguno de ellos), es el que más me divierte escuchar.
La obra entera tiene tres partes, que originalmente salieron como dos vinilos. El primero es, en mi modesta opinión, bastante superior al segundo, y por eso les voy a postear únicamente el acto I de la obra (con algún bonus track), la cual fue editada en 1979. Muy buenos músicos (varios de ellos sesionistas) acompañan a Zappa en este disco, incluyendo a los guitarristas Warren Cuccurullo y Denny Walley, el baterista Vinnie Colaiuta, los tecladistas Tommy Mars y Peter Wolf, los bajistas Patrick O'Hearn y Arthur Barrow y el gran cantante Ike Willis (quien hace la voz de Joe).
El disco empieza con "Central Scrutinizer", en donde una máquina (el scrutinizer, con la voz distorsionada de Zappa) nos dice, sobre una base rítmica obsesiva, lo siguiente:
"It is my responsibility to enforce all the laws that haven't been passed yet. It is also my responsibility to alert each and every one of you to the potential consequences of various ordinary everyday activities you might be performing which could eventually lead to The Death Penalty (or affect your parents' credit rating). Our criminal institutions are full of little creeps like you who do wrong things ... and many of them were driven to these crimes by a horrible force called MUSIC! Our studies have shown that this horrible force is so dangerous to society at large that laws are being drawn up at this very moment to stop it forever! Cruel and inhuman punishments are being carefully described in tiny paragraphs so they won't conflict with the Constitution (which, itself, is being modified in order to accommodate THE FUTURE). I bring you now a special presentation to show what can happen to you if you choose a career in MUSIC".
Y es la historia de Joe la que va a servir de ejemplo disuasivo para los aspirantes a músicos. A lo largo del disco Zappa se despacha contra todos, el Estado, la religión, la policía, el negocio de la música, en fin, no queda títere con cabeza. Pero fundamentalmente el disco va contra la censura, y lo hace de una manera absolutamente provocativa, tratando de ofender, incluso con letras e imágenes chabacanas, a todo el mundo. Porque no es sólo la derecha conservadora americana la que se sentiría atacada escuchando este vinilo; no creo que, por ejemplo, las letras sean del agrado de los grupos feministas. Pero bueno, Zappa es así, políticamente incorrecto 100%, tomalo o dejalo.
Las canciones del disco desgranan la historia de Joe, comenzando con su descubrimiento del rock y la formación de su primera banda ("Joe's Garage"). Joe y sus amigos tocan todo el día la misma canción en el garage de su casa a todo volumen (pese a los pedidos de clemencia de los padres de Joe) y su vecina, la Sra Borg, un día se cansa y llama a la policía. Los polis le sugieren a Joe que vaya a la Iglesia, pero allí tampoco hay buena gente ... Las "Catholic girls" se especializan en chupársela a sus compañeritos y al propio Padre Riley, el cura de la parroquia. Así, la novia de Joe, Mary, también entra en la lujuria del mundo del rock.
"Joe had a girl friend named Mary.
She used to go the church club every week.
Theyd meet each other there
Hold hands
And think pure thoughts
But one night at the social club meeting
Mary didn't show up...
She was sucking cock backstage at the armory
In order to get a pass To see a rock group for free"
Ya descarriada Mary se convierte en una groupie, una "Crew Slut", y se va de gira con una banda de rock. Todavía recuerdo un día de mi adolescencia escuchando este tema en mi casa, cuando aparece la voz de Dale Bozzio (la hermana del baterista Terry), hablando como Mary con una voz de reventada total, y mi vieja entrando a mi cuarto para preguntar "qué estás escuchando nene?". La pobre Mary obtiene su castigo porque el grupo la abandona en Miami y no tiene plata para volver a casa, por lo que decide presentarse a un concurso de remeras mojadas, presentado por el viejo cura de su barrio ("Wet T-Shirt Nite"). Por suerte para Mary sale ganadora (gracias a sus enormes y danzarinas tetas) y consigue los 50 dólares que necesita para volverse a su hogar.
Pero a Joe no le va bien. Desolado al enterarse de las andanzas de su novia, se encama con una mina llamada Lucille, quien le transmite una unpronounceable disease ... "Why does it hurt when I pee"? canta Joe, pero como es un buen muchacho, piensa que no fue Lucille quien se la contagió:

"I got it from the toilet seat
It jumped right up'N' grabbed my meat"

Y así Joe sigue enamorado de la tal Lucille, quien le rompió el coco. La historia sigue (aunque ya en los Actos II y III de la obra), con Joe donando todo su dinero a una secta cristiana y luego cogiendo con una máquina, a la cual destruye, sin quererlo, con una lluvia dorada. Como no la puede pagar, va preso. Cuando sale después de varios años (en la cárcel sueña con fantásticos solos de guitarra), finalmente la música está prohibida. Primero se vuelve loco y escucha la voz de Mary adentro de su cabeza, pero más adelante se adapta, y consigue un lindo trabajo congelando muffins (en el Utility Muffin Research Kitchen, recuerdo del tema Muffin Man de Bongo Fury, una bomba!). Happy End total!!!
En fin, que toda esta sátira corrosiva se encarna en un disco que si bien no es extraordinario desde el punto de vista musical, tiene un conjunto de ocho muy buenas canciones, sin puntos flojos. Mi preferida es el seudo reggae del final, "Lucille Has Messed My Mind Up", la clásica canción que podría seguir sonando infinitamente sin pérdida de placer. El único instrumental, "On the Bus", tiene un solo de guitarra tremendo, de los mejores de la discografía Zappa. Luego hay rock (con aire country en "Joe's Garage", y más pesado en "Crew Slut"), pop retro ("Catholic Girls"), un poquito de música latina ("Wet T-Shirt Nite"), algo de soul deformado ("Why Does it Hurt When I Pee?), en fin, para todos los gustos, y por supuesto con los típicos toques Zappa, alguien capaz de interrumpir una canción pop metiendo interludios que parecen extraídos de Bartok o Stravinsky (por si no lo saben, el tipo tenía una formación musical de la puta madre). 

Como bonus tracks, van los dos últimos temas de la obra. "Watermelon in Easter Hay" (Joe totalmente vencido sueña con el último gran solo de guitarra, y el maestro Frank toca algo ultra melancólico, cosa rara en él) y "A Little Green Rosetta", un final de comedia musical, con un toque humorístico, la banda pierde el ritmo como si fueran un grupo de amateurs haciendo la obra en un colegio secundario.
Si quieren pasarla bien escuchando buena música, no busquen más, acá está lo que necesitan. Pero por favor, no le pasen este disco a las madres y padres de la represión que siempre están al acecho, a ver si se les ocurren malas ideas!!

Joe's Garage Act I (Frank Zappa)

1. "The Central Scrutinizer"
2. "Joe's Garage"
3. "Catholic Girls"
4. "Crew Slut"
5. Wet T-Shirt Nite"
6. "On the Bus"
7. Why Does It Hurt When I Pee?"
8. "Lucille Has Messed My Mind Up"

Bonus Tracks

9. "Watermelon in Easter Hay"

10 "A Little Green Rosetta"

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Noches de radio

Donald Fagen es el cantante, tecladista, co-líder (junto con el guitarrista Walter Becker) y principal compositor de uno de los grupos esenciales de la historia de la música popular moderna, Steely Dan, de quienes ya posteé alguna selección de mis temas preferidos hace un tiempo, y seguramente lo volveré a hacer, porque es uno de mis grupos de cabecera (http://vinilorabioso.blogspot.com/2010/09/un-grupo-esencial.html)
En 1982, luego de la separación de la banda, grabó este disco, su debut solista, The Nightfly, un discazo que conjugó popularidad y aclamación crítica, y que aún hoy sigue sonando como un gran vinilo, no sólo porque las canciones eran perfectas y la ejecución inmejorable, sino también porque el sonido es increíble, cosa no extraña dado que Fagen era un obsesivo (maniático en realidad) del tema.
En las notas originales del disco Fagen decía: "The songs on this album represent certain fantasies that might have been entertained by a young man growing up in the remote suburbs of a northeastern city during the late fifties and early sixties, i.e., one of my general height, weight and build". Y cuáles eran los sueños del joven Fagen? Las promesas de los progresos de la ciencia ("I.G.Y") -canción que hace referencia al "International Geophysical Year, un evento que duró entre 1957 y 1958 y que se dedicó a mostrar los avances científicos más importantes del momento-, escaparse con su novia adolescente a México o a New York ("Maxine") o pasar jazz a la noche en la radio ("The Nightfly"):
"An independent station
 WJAZ
With jazz and conversation
From the foot of Mt. Belzoni
Sweet music
Tonight the night is mine"
Aunque también había pesadillas, como la amenaza nuclear y la posibilidad de tener que ir a un refugio atómico ("The New Frontier", que dentro de todo se toma la cuestión en broma) o la violencia urbana ("Green Flower Street"). Y también ocurrían grandes cambios, como la revolución cubana ("The Goodbye Look").
En suma, que es un album nostalgioso, porque Fagen nos hablaba de sus sueños y sus miedos de fines de los '50 desde los '80, con la obvia cuota de desencanto e ironía, pero también con algo de melancolía.
El personal de este disco mete miedo, es un seleccionado, con una presencia dominante de músicos de jazz. Solamente mencionemos a los hermanos Brecker (Michael en saxo y Randy en trompeta y flugelhorn), los bajistas Anthony Jackson, Abraham Laboriel y Marcus Miller, los guitarristas Larry Carlton y Steve Khan y el baterista Jeff Porcaro, más un montón de sesionistas, un tipo de músicos que Fagen amaba.
Lo que suena no es fácil de catalogar, pero podemos decir que hay jazz, rock, pop, soul, funk ... Pero fundamentalmente hay canciones buenas, una mejor que otra. Y todo en un ambiente retro/cool que lo hace ideal para escuchas nocturnas.
"I.G.Y" fue el hit del disco, tiene una melodía que se te pega en un segundo, seguro que alguna vez escuchaste este tema aunque no supieras que era de Fagen. "Green Flower Street" es otro gran tema, con un pulso nervioso, acorde con la letra (Uptown it's murder out on the street). El único cover, "Ruby Baby", es un homenaje al rock y al rhythm and blues de los '50, con un arreglo excelente. "Maxine" es una balada super cool, uno de mis temas preferidos del disco. "The New Frontier" es movidito y pegadizo. "The Nightfly" es la cima del disco, un tema ultra elegante, como dice la letra, "jazz and conversation", el sueño de Fagen y el mío también ... "The Goodbye Look" nos trae una melodía latina para hablar de los yanquis yéndose de Cuba tras la revolución. Y el cierre viene con "Walk Between the Raindrops", a medio camino entre el jazz y el pop, y unos coritos bien de los '50, para contarnos sobre un amor en Miami.
Este disco es eterno, yo no me canso de escucharlo y seguro que ustedes tampoco lo harán si bajan este post. Asi que aprieten el link de abajo, y hoy a la noche en sus casas, bebida espirituosa en mano si es posible, hagan play, les garantizo que van a sentir algo parecido a la felicidad! "What a beautiful world this will be ..."

The Nightfly (Donald Fagen)

1. I.G.Y.
2. Green Flower Street
3. Ruby Baby
4. Maxine
5. New Frontier
6. The Nightfly
7. The Goodbye Look
8. Walk Between Raindrops

http://www.mediafire.com/?nq2iox6dbkbn5qm

Los sueños del sombrero

Tin Hat es un grupo acústico californiano formado en 1997 que hace .... música nomás, sin artificios, sin alardes de virtuosismo (aunque con ejecutantes virtuosos), elegante y sofisticada, pero con el ancla en la melodia y una constante búsqueda en pos de que lo familiar suene nuevo. Efectivamente, al escuchar a esta banda lo primero que se presenta generalmente es algún motivo melódico que nos lleva a algún lugar (geográfico, musical o imaginario), que luego empieza a enriquecerse con los peculiares timbres y colores de los distintos instrumentos, y las inspiradas improvisaciones solistas o colectivas (a veces más tradicionales, otras bordeando el free jazz y la música atonal). Sin embargo, lo que suena nunca se aleja de nosotros desde el punto de vista emotivo, aunque esté abierto a la improvisación y al juego. En otras palabras, esta música (por lo menos a mí) nos hace sentir en casa.

Las influencias de este grupo son variadas, desde la música culta de distintas eras y movimientos, hasta el jazz, pasando por el blues, la música tradicional americana y diversas vertientes folkloricas (podríamos usar el horrible término world music, pero mejor evitarlo, aunque efectivamente este disco te va a llevar a pasear por muchos lugares).
El disco que les posteo (Foreign Legion) fue grabado en vivo en Mallorca (2005) y en California (2008), pero recién editado en 2010. La formación del grupo incluía a Mark Orton (compositor de la mayor parte de los temas) en guitarra y dobro (un resonador muy usado en el Medio Oeste de los EEUU), Ben Goldberg en clarinete, Carla Kihlstedt en violín y Ara Anderson en trompeta, órgano, glockenspiel, piano y percusión, más un percusionista invitado, Mathias Bossi. Aquí no hay temas cantados, pero eso sí ocurre en otros discos de la banda (en algunos de ellos ha cantado gente tan diversa como Willie Nelson y Tom Waits, aunque en realidad, al escuchar la música de Tin Hat, está clarísimo que ambos pegan perfectamente con ella).
Como ven, hay una paleta amplia de sonidos y timbres, que en conjunto les permite emprender una obra de orfebrería, ya que cada tema tiene su propio color y forma distintitivas, en donde se amalgaman distintas tradiciones musicales que son amasadas por el grupo de manera preciosista pero no "intelectualoide".
El primer tema, "Helium", comienza con la guitarra de Orton en solitario (haciendo de sección rítmica, como en buena parte del disco), sobre la cual se monta una nostálgica melodía del exquisito violín de Kihlstedt y luego a una bonita improvisación del clarinete de Goldberg. "Big Top" es una elegante danza con reminiscencias del Este Europeo, que luego desemboca en una improvisación colectiva juguetona. "A Fata Morgana", en cambio, es una pieza más oscura y climática. "Compay" es minimalista y orgánico, y se destaca por las heterodoxas improvisaciones de los vientos. "Waltz of the Skycrapper" es como su nombre lo indica un vals, sensual, donde se aprecian las intervenciones de Goldberg y Kihlstedt, más el ubicuo aporte de Anderson con su glockenspiel. "Hotel Aurora" acelera un poco el ritmo y ahora es la música brasileña la que asoma, a partir del batido de la guitarra de Orton. "Asterisk" es una composición de cámara de aire austero y sombrío. En "The Last Cowboy" vemos la influencia del bluegrass, es una pieza indeleblemente americana, al igual que "Sunrise at Independence", la cual podría también ser usada para alguna película del Oeste, con su aire dramático/épico. "Ana Ivanovic" (en honor la bonita tenista), además de mostrar que los muchachos también se divierten con los nombres de los temas, es un tanguito con todas las letras, la Kilshtedt podría tocar el violín en cualquier típica local me parece. "Foreign Legion" es un tema sincopado con una sinuosa melodía y una gran intervención del clarinete de Goldberg. En "The Secret Fluid of Dusk" el violín ejecuta una melodía doloramente dulce, cargada de tristeza y nostalgia. En "New West" es la trompeta la que asume el rol melódico dominante, en este caso en base a un aire mexicano, otra posible banda de sonido para un western. "Slip" es una brevísima pieza de inspiración klezmer. El disco cierra con "Nickel Mountain", un tema inquietante, un final perfecto para dejarnos pensando sobre los grandes misterios de la vida, entre los cuáles sin duda está por qué hay gente capaz de crear música tan exquisita y sin embargo son los Jonas Brothers los que llenan estadios (bah, esto no es tan misterioso, es triste nomás).

Definitivamente es un disco bello e íntimo, que está a años luz del ruido que nos bombardea día a día desde los diversos aparatos reproductores que nos rodean. Al terminar la escucha comprobamos que hemos quedado hipnotizados por estos muchachos. No se lo pierdan, después no digan que no les advertí, bajen este disco, póngase este sombrero y comiencen a soñar.

Foreign Legion (Tin Hat)
1. Helium
2 Big Top
3 A Fata Morgana
4 Compay
5 Waltz of the Skycraper
6 Hotel Aurora,
7 Asterisk
8 The Last Cowboy
9 The Sunrise at Independece
10 Ana Ivanovic
11 Foreign Legion
12 The Secret Fluid of Dusk
13 New West
14 Slip
15 Nickel Mountain

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Añejos y admirables brebajes ingleses

Una base folk (de ambos lados del Atlántico), bastante jazz y blues, un buen puñado de música del medioevo ... qué surge de esta poción? La (excelente) música de Pentangle, un grupo inglés que desde 1968 a 1972 grabó un puñado de discos que todavía continúan sonando de maravillas. Esta producción no los llevó a la fama, pero sí les generó un gran reconocimiento de la crítica y de muchos músicos importantes, más una legión de fans que sigue apreciando su música y que, como ocurrió con tantos otros grupos, abrió la oportunidad para diversas reuniones de la banda desde los '80 en adelante. Si uno tiene que clasificar la musica que hacía esta gente, la primera intención es meterlos dentro del folk. Pero esto sería limitante (y algunos miembros del grupo se han quejado de esa etiqueta). Su música, como dije antes, está influenciada por varios estilos, notablemente el jazz, el blues, la música medieval inglesa, y también ciertas tradiciones musicales americanas que, en el caso del disco que les estoy proponiendo, provienen de la región de los Apalaches (la música de esta zona deriva originalmente de influencias británicas e irlandesas, y luego influencia al country y al bluegrass).
El disco que les posteo se llama Reflection (1971), y justamente es el más "americano" de la banda. La formación es la misma que en todos los discos de esta época:  Jacqui McShee era la cantante principal, aunque también cantaban los (muy buenos) guitarristas John Renbourn (quien ejecuta la armónica en algunos temas) y Bert Jansch (quien también toca el banjo). En bajo y batería aparecían dos músicos provenientes del jazz, Danny Thompson y Terry Cox (quien canta en alguna canción).  Aparentemente para la época en que grabaron esta placa se llevaban mal, en especial porque Renbourn y Jantsch andaban borrachos todo el tiempo (un año después se separarían). Esto, sin embargo, no les impidió hacer un disco excelente, que no se van a arrepentir de escuchar.
Cuatro de los temas son del cancionero tradicional: "Wedding Dress", un midtempo muy animado, para cantar en fiestas, la hermosa balada americana "Omie Wise" (que ha sido grabada por mucha gente, incluido Bob Dylan), "Will the Circle be Unbroken", otra balada muy bonita (la mejor cancion del disco a mi juicio), con buenos solos de armónica y guitarra eléctrica de Renbourn, y "Rain and Snow", con el típico sonido del banjo. Los otros cuatro temas son del grupo. "When I Get Home" es una canción de perdedores, con Renbourn haciendo unos lindos punteos con su guitarra. "So Clear" es otra balada melanco, cantada por Renbourn, el tema más convencional del disco, pero muy agradable de escuchar igualmente. "Helping Hand" comienza con una melodía tranquila y etérea (canta el baterista), que luego da paso a un interludio blusero cantado a dúo con McShee. Y "Reflection" es la canción más interesante del disco, empieza con una intro bastante larga en donde se va cocinando el tema, y tras ella McShee se larga a cantar muy libre sobre la base rítmica, generando un efecto un poco alucinatorio, para luego dar lugar a una jam en donde se destacan la guitarra de Renbourn y la batería de Cox.
Como este grupo me gusta mucho, les quiero postear también una compilación de algunos temas de sus primeros discos, lo cual les va a permitir apreciar la variedad que caracterizaba a la música de esta gente. Del primero ("The Pentangle"), van "Let No Man Steal Your Thyme", una canción tradicional inglesa a la cual se le agrega un muy interesante interludio instrumental en donde se lucen las guitarras, y "Waltz", un instrumental excelente, donde se nota claramente el interés de estos muchachos por el blues y el jazz. Del segundo disco (un doble llamado "Sweet Child", que tenía una placa de estudio y otra en vivo) van varias canciones. Del vivo, un muy bonito tema tradicional americano, "Watch the Stars", otro tema también americano, pero más blusero ("No More my Lord"), una danza del medioevo ("The Earle of Salisbury") y la balada "The Time has Come". Del disco en estudio van "I've Got a Feeling", una canción bien blusera, cantada excelentemente por McShee y otra pieza tradicional del repertorio inglés, "The Trees They Do Grow High", de letra y música bastante tristes. Del tercer disco ("Basket of Light"), una canción rítmicamente compleja y de aire jazzero, "Light Flight", "Once I Had a Sweetheart", otro tema antiguo del repertorio inglés, muy lindo, y la excelente "Springtime Promises", compupesta por Cox. Y del cuarto disco (Cruel Sister, el previo a Reflection), tres temas tradicionales, uno tristísimo, Lord Franklin, cantado por Renbourn, otro también triste, "Cruel Sister", cantado por McShee y con el aporte de las armonías vocales de Renbourn, Jantsch y Cox, y "A Maid That's Deep in Love", un buen ejemplo del abordaje no tradicional que hacía este grupo de las canciones populares inglesas antiguas.
En fin, que Pentangle era un grupo excelente. Y yo, si fuera ustedes, no dejaría de bajar estos posts. Siganlos, no los van a defraudar!

Reflection (Pentangle)

1. "Wedding Dress"
2. "Omie Wise"
3. "Will the Circle Be Unbroken?"
4. "When I Get Home"
5. "Rain and Snow"
6. "Helping Hand"
7. "So Clear" 
8. "Reflection"

http://www.mediafire.com/?zdw6k81z1l4108c

Compilación (Pentangle)

1. Let No Man Steal Your Thyme
2. Waltz
3. Watch the Stars
4. No More My Lord
5. The Earle of Salisbury
6. The Time Has Come
7. I've Got a Feeling
8. The Trees They Do Grow High
9. Light Flight
10. Once I Had a Sweetheart
11. Springtime Promises
12. Lord Franklin
13. Cruel Sister
14. A Maid That's Deep In Love

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Música de caníbales

Julian "Cannonball" (aparentemente fueron sus compañeros de colegio quienes le pusieron este apodo, que viene de "caníbal", parece que el hombre comía mucho!) Adderley fue uno de los grandes saxofonistas de la era del hard bop. Y por cierto, aunque más no fuera, quedó en la historia del jazz por ser parte del grupo que grabó el emblemático Kind of Blue a las órdenes de Miles Davis. Pero además de tocar para Miles y otros grandes músicos, desarrolló una larga y muy interesante carrera solista, que tuvo su pico en uno de los discos que les voy a postear, "Somethin' Else" (1958), el cuál es considerado entre los mejores de la historia del jazz por la mayor parte de los fanáticos y especialistas del género. El personal del disco incluye al propio Miles en trompeta, Art Blakey en batería, Hank Jones en piano y el bajista Sam Jones. De hecho, hay dudas sobre cuanto el disco es de Cannonball o de Miles, ya que aparentemente este último eligió parte del material a tocar, por ejemplo. Pero el asunto es que la placa apareció a nombre de Cannonball, y sabemos bien que Miles Davis no era un hombre muy afecto a ceder espacios, así que me parece que no vale la pena discutir mucho sobre esta cuestión.

El vinilo original tenía cinco temas. Empieza con "Autumn Leaves," en una versión relajada, tocada a medio tiempo, a mitad de camino entre las versiones más típicas (en plan balada) y las aceleraciones de versiones como las de Bill Evans u otras del propio Miles. En todo caso, es una interpretación extraordinaria, mi preferida entre las muchas que escuché de este tan transitado standard; ya escuchar como Miles presenta la melodía es un placer de dioses. Y el solo de Cannonball que sigue es increíblemente creativo sin perder ni un segundo la idea de que lo que suena es Autumn Leaves. La sección rítmica es un reloj, como en todo el disco. Sigue otro tema muy versionado, "Love for Sale". Luego de una bonita intro de Jones en piano, es otra vez Miles quien toca la melodía; el largo solo de Cannonball es atrevido, mientras que los Jones y Davis son más contenidos. El tema que da título al disco (escrito por Miles), es el más rapidito del set, y se destaca por la dinámica de llamada-respuesta entre Davis y Adderley, quien replica cada linea que  toca Miles en la melodía, antes de que ambos se larguen a sus respectivos solos. El tema que más me gusta de esta placa es "One for Daddy-O" (compuesto por el hermano de Cannonball, Nat Adderley); el swing de este tema es tremendo, y a la vez lo tocan como si tuvieran todo el tiempo del mundo por delante, es una cima. Cannonball toca su solo con un sonido gordo y cálido, mientras que Miles hace un solo "anguloso" (al final, se escucha que le pregunta al productor Alfred Lion, "Is that what you wanted Alfred?"). Y cierran con otro standard famoso, "Dancing on the Dark", donde no toca Miles; el protagonismo del tema es todo de Adderley, que toca en plan romántico pero no acaramelado, un cierre perfecto para un disco idem.
El segundo disco que les quiero postear de este notable músico es diferente, más tradicional si se quiere, pero de todos modos muy interesante y, sobre todo, extremadamente agradable de escuchar. Se trata de "Mercy, Mercy, Mercy, Live at 'The Club'" (1966). En realidad, no es un disco en vivo, ya que fue grabado en un estudio, pero con público presente (parece que fue un favor al dueño del club). El personal incluye a su hermano Nat en corneta (quien aporta dos temas, "Fun" y "Games"), Josef Zawinul en piano y piano eléctrico (y compone también dos temas, el del título, "Mercy, Mercy, Mercy", que resultó ser un hit comercial, con su groove penetrante y sensual, y "Hippodelphia"), Victor Gaskin en bajo y Roy McCurdy en batería. Cannonball compone los dos temas restantes, "Sticks" y "Sack O'Woe".
Por cierto, no es un disco experimental ni mucho menos, es jazz bien mainstream, pero todos caben en la viña del Señor, y tocar música divertida antes que un problema es una virtud, cuando además se lo hace sin venderse al mercado, sino como parte de la propia búsqueda artística (y se nota al escuchar este disco que los músicos la estaban pasando muy bien mientras tocaban este material).
Si escuchas "Games", "Sticks" o "Sack'o'Woe" y no te entran ganas irreprimibles de salir a bailar, es que te cortaron las piernas. Pero el soul y funk que bañan estas canciones son un vehículo para unos solos extraordinarios, y en ocasiones (como en "Games") bastante aventureros de Cannonball (el hermano toca algo más convencional, y Zawinul estaba tranquilo ese día). "Fun" es el tema más avant garde del disco, mientras que "Mercy, Mercy, Mercy" fue un inesperado éxito de la banda, una melodía atrapante que ya da cuenta de que Zawinul era muy capaz de componer temas con mucho gancho, como luego probaría con Weather Report. El otro tema de Joe, "Hippodelphia", es hard bop en estado puro.
Aprovechen este dos por uno de este gran saxofonista, que no sólo comía sino que tocaba vorazmente. Excelente música, grandes solos, buen humor, qué más se puede pedir?

Something Else (Cannonball Adderley)

1. Autumm Leaves
2. Love for Sale
3. Something Else
4. One for Daddy-O
5. Dancing in the Dark

http://www.mediafire.com/?j115oyskoxkty1k

Mercy, Mercy, Mercy, Live at the Club (Cannonball Adderley)

1. Fun
2. Games
3. Mercy, Mercy, Mercy
4. Sticks
5. Hippodelphia
6. Sack O Woe

http://www.mediafire.com/?hmwp96ld7vxm964

Escocés en las rocas

Había una vez un grupo, de culto, llamado "The Incredible String Band". La banda se creó en Escocia hacia mediados de los '60, y hacían algo que ha sido bien descripto como "folk psicodélico". Si bien nunca llegaron a la fama, cosecharon una legión de fanáticos, incluidos Robert Plant y Jimmy Page, entre algunos notables. Uno de los fundadores de la ISB fue Robin Williamson, quien luego de la disolución de la banda a principios de los '70 empezó una carrera solista y pronto formó su "Merry Band", con quienes grabó tres discos. Lo que les propongo escuchar hoy es una selección de temas de dos de ellos, "Journey's Edge" y "American Stonenhenge" (JE y AS de ahora en adelante), editados en 1977 y 1978 respectivamente. Si tuviera que usar una palabra para etiquetar la música contenida en estos discos debería decir sin dudar que es "celta". Pero me da miedito usar este término hoy en día. Porque tras Enya y Titanic lo celta ha quedado asociado a la new age o cosas peores.  Y sin embargo, se trata de una música que, cuando es tocada en serio, es vibrante y movilizadora. En los '70 la escena británica estaba poblada por varios grupos que incorporaban las tradiciones celtas en el formato del folk o el rock moderno; desde el más famoso Jethro Tull hasta otros menos conocidos pero muy interesantes como Steeleye Span, Fairport Convention y Pentangle (este último incluso con fuerte influencia del jazz, ya voy a postear algo de estos muchachos, que hacían cosas muy buenas). Por supuesto, Irlanda tiene excelentes bandas como Chieftains, Clannad o Altan (o los más rockeros Pogues). Y cómo no, en la tierra de mis antepasados, Galicia, están grupos buenísimos como Milladoiro, o el gaitero Carlos Nuñez. Y seguro debe haber gente más joven, pero me temo que a mí también me agarró el ataque post Enya y me he venido absteniendo de lo celta desde hace un tiempo, cuando se me pase del todo la veda voy a explorar novedades en ese frente.

En tanto, vuelvo a nuestro amigo Robin, y les cuento de qué va lo que les posteo hoy. En la Merry Band, Williamson, además de ser el cantante y compositor, tocaba guitarra, flauta, arpa, mandolín, violín y percusión, más otros instrumentos de viento curiosos, tales como una botella de Glenlivet (un whisky escocés).  El grupo se completaba con Sylvia Woods (arpa, glockenspiel, harpsicordio, kazoo), Chris Caswell (flauta, acordeón, gaitas, arpa, bodrhan y otros) y Jerry McMillan (violín, piano, viola). Todos cantaban además. Y tenían varios músicos invitados. Y hacían una música simple pero muy bonita.

Y empezamos con un tema bonito y nostálgico, "These Islands Green" (de AS). Sigue "Tomorrow" (de JE), una balada algo melancólica. "When Evenings Shadow Fall" (AS) es ultraromántica. "Port London Early" (AS) es un instrumental lindísimo, la música nos hace pensar en un amanecer brumoso, que luego da paso a un día soleado, ideal para ir a caminar por alguna montaña no muy alta y arbolada. "Red Eye Blues" (JE) es un tema movidito, más moderno. Volvemos a la melanco con "Rap City Rhapsody" (JE), aunque en el medio la banda no se priva de algunos chistecitos y cambios de ritmo. "Her Scattered Gold" (AS) es un instrumental típicamente céltico, una melodía simple e impecable, que te hace mover los pies. "The Tune I Hear so Well" (JE) es otro  punto alto, una de las mejores canciones de Robin Williamson. "Out of the Water" (JE) es hipnótica, un poco en la onda ISB. Pero también hay humor en estos discos, como en "Zoo Blues" (AS), un tema sobre animales varios donde los miembros de la banda hacen toda clase de ruiditos sobre un fondo country. "The Bells" (JE) es una linda balada, con un toque enjundioso de las cuerdas. "Sands and The Glass" (AS) tiene un aire mágico. "Border Tango" (JE) no tiene mucho de tango, pero es un midtempo muy energético. Y cerramos con otra cuota de humor, "Rab's Last Woollen Testament" (AS), toda una declaración de principios de un buen escocés:

"Water is the strong stuff; it carries whales and ships,
But water is the wrong stuff; don't let it get past your lips.
It rots your boots; it wets your suits, puts aches in all your bones.
Dilute the stuff with whiskey, aye, or leave it well alone.
Whisky pure,
O whisky, you're
A charmer,
Drunk or sober"
No van a encontrar nada revolucionario acá. La música es simple -aunque la experimentación no está totalmente ausente- y es a veces triste, a veces romántica, a veces alegre, a veces graciosa. La banda suena bárbaro y lo que hacen siempre es grato para escuchar. Haganse amigos de Robin, y dénse un pequeño baño de folk céltico, no se van a arrepentir de este viaje al pasado en medio de vuestras junglas urbanas.

Robin Williamson and his Merry Band (compilación)

1. These Islands Green
2. Tomorrow
3. When Evenings Shadows
4. Port London Early
5. Red Eye Blues
6. Rap City Rhapsody
7. Her Scattered Gold
8. The Tune I Hear So Well
9. Out on the Water
10. Zoo Blues
11 The Bells
12. Sands and the Glass
13. Border Tango
14. Rab's Last Woollen Testament

http://www.mediafire.com/?yfliun3ch5nwz1g

Destruyendo las paredes del templo

Estamos en época de Pesaj así que es momento propicio para postear algo de música vinculada a las tradiciones judías. Y justo resulta que esta semana estuve escuchando adictivamente un disco de una formación llamada "Electric Masada", capitaneada por el iconoclasta y prolífico compositor y saxofonista ¿de jazz? John Zorn (dentro de un rato vuelvo al disco, pero les advierto desde ahora que si lo bajan les va a volar la cabeza, literalmente, como en la peli "Scanners" del genial David Cronenberg, es de lo mejor que se ha grabado en lo que va del siglo, y si te enganchas es un viaje de ida, no lo vas a poder sacar de tu equipo, Ipod, auto o lo que sea con que escuches música).
El nombre del grupo nos remonta a un hecho muy importante en la historia judía, ya que Masada era una fortaleza en donde un grupo de rebeldes judíos (de los llamados zelotes) resistió un largo asedio de las tropas del Imperio Romano para finalmente decidir un suicidio colectivo cuando vieron que iban a ser derrotados (la historia tradicional dice que la caída se produjo justamente durante Pesaj). Muy apropiadamente, el disco que les posteo se llama "At the Mountain of Madness" (aunque también hay un libro de H. P. Lovecraft con el mismo nombre, he visto por ahí que Zorn habría tomado el nombre de ese libro, pero la verdad que no estoy seguro). Y si no locos, al menos los músicos parecen poseídos, por la furia y la creatividad.
Para quienes no lo conocen, les cuento que John Zorn es una bestia incansable, que debe vivir días más largos que el común de los mortales ya que de otro modo no podría tener tiempo para hacer todo lo que hace. Según informa Wikipedia, ha aparecido en más de 400 discos como compositor o ejecutante. Y tiene 57 años nomás! Además ha editado varios libros sobre música contemporánea, y ha estado detrás de una serie de movidas culturales diversas principalmente en Nueva York, además de tener su propio sello discográfico. En el plano estrictamente musical, su gama de intereses es enorme. Si bien como dije antes su base principal es el jazz, en sus numerosos discos y proyectos ha abordado cosas tan diversas como la música culta contemporánea y el hardcore rock, pasando por los temas de Ennio Morricone y de Carl Stalling (el compositor de la música que aparecía en los dibujitos de la Warner, un capo). Y por cierto ha encabezado el surgimiento de la llamada "música radical judía". Lo cual se vincula estrechamente con su proyecto del "Masada Songbook", que finalmente llegaron a ser más de 200 canciones escritas por Zorn mezclando la tradición judía, el jazz y la música avant garde. El grupo Masada original era un cuarteto (con Dave Douglas, Joey Baron y Greg Cohen), pero luego atravesó diversas encarnaciones, de las cuáles justamente "Electric Masada" fue una de las últimas. Los que tocan son el propio Zorn (saxo alto), junto con el gran guitarrista Marc Ribot, dos bateristas (sí dos!) -Joey Baron y Kenny Wollesen-, un percusionista (Cyro Baptista), un tecladista (Jamie Saft), un bajista (Trevor Dunn) e Ikue Mori en "electronics" (y todos parecen estar en llamas la mayor parte del tiempo, además de notarse un ambiente de alegría y complicidad que se hace evidente por las exclamaciones de los músicos durante y entre los temas).
El disco que les posteo fue grabado en vivo en 2004 en Ljublana, y tiene siete canciones (seis de las cuales son del Masada Songbook) -en realidad At the Mountain of Madness es un doble, el otro disco es un concierto ofrecido durante el mismo año en Moscu, con casi los mismos temas que éste-. Lo que suena es un cruce entre el jazz, el klezmer, la música culta, el rock pesado, la electrónica y el punk, coctel que en manos de estos muchachos se hace explosivo.
Entrando en los temas, "Hath-Arob" está inspirada clarísimamente por la música de Carl Stalling, con su lógica de arranques bruscos y milones de notas tocadas a toda velocidad, lo cual requiere una coordinación grupal notable y sin embargo sabemos que acá los muchachos están improvisando casi todo el tiempo. Es el tema más demandante del disco en cuanto a su escucha. Luego hay dos temas basados en el lema "no paramos hasta que tiremos el teatro abajo" ("Metal Tov" e "Idalah-Abal"), en donde el grupo desata una furia que hace que bandas como Iron Maiden parezcan hacedores de villancicos navideños. Escuchen como grita Zorn con su saxo en "Idalah-Abal" (mientras en el fondo suena una melodía inconfundiblemente judía). "Metal-Tov" es simplemente un mísil que te agujerea el cerebro, acá Zorn aulla pero el fondo es una pared rockera. Luego hay dos largos temas ("Tekufah" y "Kedem") en donde Zorn, Ribot y Saft se mandan extendidos solos sobre la base de un groove permanente marcado por los atrapantes patrones de bajo de Dunn (es gracioso imaginar al tipo inmutable como si fuera un metrónomo mientras alrededor los demás descontrolan) y los palazos de los dos bateristas. Zorn es proclive al desborde y usa a gusto las llamadas "técnicas extendidas" (que son formas no convencionales, e incluso a veces hasta "inapropiadas" técnicamente de tocar instrumentos o de cantar), a veces sus aullidos meten miedo. Los solos de Ribot tienen una intensidad cercana al rock a veces (y también tienen toques latinos), mientras que Saft es el más funky con su piano eléctrico. Estos temas remiten inconfundiblemente al Miles Davis de la época de Bitches Brew, pero en un estilo más accesible al oyente (y con más potencia). "Abidan" y "Karain" son las piezas más tranquilas y en las que más se nota la influencia melódica de la música judía. "Abidan" es intrigante y se luce especialmente Ribot en su solo. "Karaim" en cambio es más sensual, para imaginar bailarinas con poca ropa danzando alrededor, acá Saft descontrola con su solo de piano antes del final y luego en un segundo vuelve la calma, la capacidad para cambiar de clima de esta banda es asombrosa.
Tal vez si ustedes oyeron hablar de Zorn, o leen de él en algún lado, van a encontrar palabras que a algunos los van a atraer y a otros atemorizar: avant garde, free jazz ... Pero no escuchen este material con esos pre-conceptos en mente. Es música que entra por el cuerpo antes que por la cabeza. Cierro con algo que encontré en un comentario sobre este disco que posteó alguien en Amazon y que me parece muy gracioso: "I only wish they'd been around about a century ago when I had my Bar Mitzvah; if these guys had played during the reception, I might not have abandoned religion altogether!". Bajen el disco y conviertánse a la religión de Electric Masada!

At the Mountain of Madness (Electric Masada)

1. Tekufah
2. Hath-Arob
3. Abidan
4. Metal Tov
5. Karaim
6. Idalah-Abal
7. Kedem

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La Joni

Y sí, era hora de un post dedicado a la gran cantaautora canadiense Joni Mitchell, que si bien produjo sus mejores discos ya hace algún tiempo (en los '70 para ser más precisos), es claramente una de las figuras más relevantes de la música popular de las últimas décadas  (para dar un dato estadístico, según el sitio oficial de Joni se han hecho 3500 covers de sus canciones, por casi 2700 artistas diferentes, chupate ese numerito!). Aunque sus primeros discos (fines de los '60) se ubicaban claramente en el folk, con el tiempo le fue agregando ingredientes del rock y el pop y, más adelante (mediados de los '70) del jazz, etapa en la que tocó (como verán si siguen leyendo este post) con los mejores músicos de la época. Es ahí donde me engancho personalmente con su música, en particular con el disco tributo a Charles Mingus que graba en 1979 (titulado "Mingus"). Luego de Mingus escuché Blue, Shadows and Lights, y más tarde Don Juan Reckless Daughter y Hejira (hoy por hoy el disco que más me gusta de esta artista), y así me descubrí a esta mujer que no sólo canta muy bien, y toca con solvencia la guitarra y también el piano, sino que es esencialmente una gran compositora que fue abriendo y expandiendo su universo sonoro con el transcurso de su carrera, produciendo varios discos fundamentales tales como, además de los arriba mencionados, "Court and Spark" o "The Hissing of the Summer Lawns".
Los temas que elijo son del que, como dije antes, considero el mejor período de esta artista, desde sus inicios hasta fines de los '70. Abrimos con "In France They Kiss on Main Street", un lindo tema pop (de The Hissing of the Summer Lawns), con coros de James Taylor, Graham Nash y David Crosby y la guitarra de Robben Ford. Luego "Raised on Robbery", rockerita, con la guitarra de Robbie Robertson (de Court and Spark). Y sigue otro tema movido, "Big Yellow Taxi", uno de los grandes hits de Joni (del disco Ladies of the Canyon), en versión en vivo del disco Miles of Aisles. Luego bajamos la velocidad, con "Blue", melancólico tema de piano y voz perteneciente al LP del mismo nombre, una gran canción, de las mejores de su carrera. Y siguiendo con las baladas y los discos tempranos de Joni, "For the Roses", del disco idem, un tema folk muy bonito. Luego otra balada, pero de su época más experimental, "Amelia", uno de mis temas preferidos de Joni, del disco "Hejira", sobre la aviadora perdida Amelia Earhart; la canción transmite una sensación de viaje solitario, acentuada en esta versión que incluyo aquí (en vivo, de Shadows and Lights) por las intervenciones de Pat Metheny y Lyle Mays en guitarra y piano respectivamente. Para salir un poco de la melancolía (pero no del todo!) "Help Me", de Court and Spark, uno de los temas más populares de la Mitchell, una impecable canción de amor. Sigo con un tema precioso, mi preferido de la discografía de esta artista, "Edith and the Kingpin" (de "The Hissing ...), donde Joni canta acompañada entre otros por Joe Sample en piano y Larry Carlton en guitarra, es una canción elegante y adictiva. "Furry Sings the Blues" (de "Hejira") es un tema de gran sentimiento, con Neil Young en armónica aportando el toque country. Para levantar un poco el ánimo vamos al jazz, con "The Dry Cleaner from Des Moines", un dinámico tema de Charles Mingus (incluido en el mencionado disco homenaje), donde a Joni la acompañan una serie de ignotos músicos como Jaco Pastorius, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Peter Erksine, excelente. Luego otro de mis temas preferidos de Joni,"All I Want" (de Blue), una balada cadenciosa de aire campestre. Y siguen dos de sus primeros hits, "Chelsea Morning" (de la cual aparentemente salió el nombre de la hija de los Clinton, no es tierno?) y "Both Sides Now", de su época folk (ambos de Clouds, pero la última va en versión en vivo de Miles of Aisles). A continuación, dos midtempo seguidos extraídos de Hejira, "Coyote" y "Black Crow", tomar nota de la performance de Jaco Pastorius en bajo en ambos temas, maestro. "River", del disco Blue, es un tema hermoso, piano y Joni cantando una letra super melancólica, bien "blue". Seguimos con "Rainy Night House", otra preciosa canción, en este caso del disco Ladies of the Canyon (pero acá va en versión en vivo de Miles of Aisles, más cool que la original). Y la veta pianística melanco de Joni continúa con "Same Situation" (de Court and Spark). Para levantar un poquito "You turn me on I'm a radio" (de For the Roses), una linda balada country, seguida de otro hit folk de Joni, "California" (de Blue). "Song for Sharon" (del disco Hejira, que como verán está muy representado aquí), es un temazo, letra y música son excepcionales, igual que ocurre con "Shades of Scarlet Conquering" (de The Hissing of the Summer Lawns), retrato de la altivez de las mujeres sureñas de los EEUU. Sigue un triplete jazzero, dos temas de Don Juan Reckless Daughter, primero "Off Night Backstreet" y luego "Jericho" (versión en vivo de Shadows and Light), calmos y elegantes, y luego del disco Mingus "God Must be a Boogie Man", tema bien swingueado autoría de la propia Joni, los tres con destaque de Jaco, tremendo. Para ir cerrando, unos acústicos, primero "Cold Blue Steel and Sweet Fire", etéreo tema del disco For the Roses, seguido de una canción "hermana", "People's Parties" (de Court and Spark), luego "Woman of Heart and Mind" (For the Roses) persiste en la misma veta, y lo mismo vale para "The Circle Game" (del disco Ladies of the Canyon, pero en versión en vivo de Miles of Aisles), el cual es probablemente el tema más naif de Joni, pero aún así sigue siendo muy lindo escucharlo. Y cierro con "Refuge of the Roads" (Hejira), un tema perfecto para cerrar cualquier proyecto musical, con clima de viaje (como todo ese disco), y como no, el bajo de Jaco Pastorius otra vez aportando buena parte de la magia de la canción.
Son 30 canciones, todas excelentes, muestra del enorme talento de esta mujer, bajenlo y disfruten de la música.

La Joni

1. In France they kiss on Main Street
2. Raissed on Robbery
3. Big Yellow Taxi
4. Blue
5. For the Roses
6. Amelia
7. Help Me
8. Furry sings the blues
10. The Dry Cleaner from Des Moines
11. All I want
12. Chelsea Morning
13. Both Sides Now
14. Coyote
15. Black Crow
16. River
17. Rainy Night House
18. Same Situation
19. You turn me on I'm a radio
20. California
21. Song for Sharon
22. Shades of Scarlet Conquering
23. Off Night Backstreet
24. Jericho
25. God Must be a Boogie Man
26. Cold blue steel and sweet fire
27. People's Parties
28. Woman of Heart and Mind
29. Circle Game
30. Refuge of the Roads

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Dos caras de John Coltrane

El gigantesco saxofonista John Coltrane grabó sólo un disco junto con un cantante; fue en 1963 y su acompañante fue el notable, aunque no muy conocido para el gran público, Johnny Hartman. Y es un disco de baladas. Parece que por aquella época Coltrane tuvo un impulso romántico, porque el año anterior había grabado otros dos discos de baladas, uno llamado justamente "Ballads" y otro junto con Duke Ellington (ambos excelentes). Lo interesante es que esta ola tierna de Trane se dio justo en el momento en que, paralelamente, estaba radicalizando su estilo, incorporando cada vez más elementos del free y el avant garde, espantando a las audiencias y críticos más tradicionales. Por algún motivo, entonces, Coltrane avanzó en los dos frentes a la vez, y tal vez puede causar algo de perplejidad escuchar su disco con Hartman simultáneamente con "Live at Birdland", grabado también en 1963, con el mismo extraordinario grupo de músicos que formarían el cuarteto "clásico" del saxonista; McCoy Tyner en piano, Elvin Jones en batería y Jimmy Garrison en bajo. Mientras que en el primer disco estos muchachos suenan gentiles y contenidos (aunque nunca vulgares ni blandos), en el segundo están en llamas, y parece que quisieran derretir sus instrumentos. Ambas grabaciones tienen sólo 6 temas, la primera dura apenas 31 minutos y la segunda poco más que 40, y no hace falta más; ¡qué buena la época del vinilo cuando las limitaciones físicas de esa técnica de reproducción hacían que fuera muy difícil ir mucho más allá de los 40 minutos! Ahora muchos artistas se ven tentados u obligados a llenar CDs con temas mediocres, cuando de lo que se trata no es de acumular minutos, sino de tocar buena música, y si es buena y te quedás con ganas de más, lo volvés a poner, al toque.

A la grabación con Hartman no hay con que darle,  para mí es el mejor disco de jazz cantado de la historia, los seis temas son extraordinarios, y reciben un tratamiento perfecto. Hartman tiene una voz gruesa y canta sin yeites, romántico pero no meloso. Y Coltrane también canta con su saxo, a la vez que toda la banda acompaña a Hartman con sutileza y creatividad.
El disco abre con "They Say It's Wonderful", y ya desde el comienzo la envolvente voz de Hartmann nos acaricia los oídos, mientras la banda acompaña de modo exquisito, con Trane metiendo algunos fraseos breves pero efectivos. El grupo acelera un poco para el interludio instrumental, donde Coltrane canta con mucho lirismo la melodía, para luego volver a Hartmann con un cierre delicado. La versión de "Dedicated to You" es tremenda, luego de una breve intro de Hartman, Coltrane toca la melodía y te pone la piel de gallina, agrega poco pero todo lo que agrega parece que siempre hubiera estado ahi, necesariamente, y escuchen al bajo de Garrison, maestro. Luego canta Hartmann, arrullándote, mientras Coltrane hace escuetos comentarios con el saxo. En "My One and Only Love" es Coltrane otra vez quien canta la melodía primero, la banda acompañando de forma imperceptible casi, y otra vez con Garrison en destaque, para luego dar lugar a Hartman, por Dios, como me gustaría cantar así, hasta el jorobado de Notre Dame conseguiría mujeres con esa voz. La joya del album es "Lush Life", de la cual Trane ya había hecho una versión extraordinaria años atrás en el disco del mismo nombre. Es uno de los mejores standards de jazz, pero es tema difícil de cantar, con una letra muy cargada, la cual Hartman casi recita al comienzo, sobre los arpegios de Tyner. Luego se suma el grupo y el tema gana en intensidad, para dejar al final el solo de Coltrane, quien nunca abandona la melodía pero a la vez logra crear algo nuevo sobre ella. "You Are Too Beautiful" es un standard hermoso, y todo el grupo entiende que dado el lirismo propio del tema, no hace falta sobrecargar nada, acá en lugar de Trane es McCoy Tyner quien hace el solo instrumental, y por supuesto es notable. Y el cierre es de yapa, "Autumn Serenade", es el tema que menos me gusta del disco, pero igualmente vale la pena, aunque más no sea porque es acá donde Coltrane se suelta más y se manda un solo de aquéllos que son la marca de este genio del jazz.
"Live at Birdland" es otra cosa, de igual calidad pero muy diferente atmósfera. Los tres primeros temas son en vivo en el famoso club de jazz de NY Birdland, y los siguientes tres fueron grabados en estudio un mes después. "Afro Blue", del percusionista Mongo Santamaria, abre el disco a pura energía, los solos de Tyner y Coltrane son tremendos, y Elvin Jones destroza la batería, la mejor pieza del disco a mi juicio. "I Want to Talk About You" (de Billy Eckstine) es una hermosa balada que acá recibe un tratamiento singular, Coltrane improvisa sobre la melodía durante toda la canción, y de hecho al final se queda tocando solo,  una versión definitiva de ese tema. Siguen tres temas de Coltrane. El primero,  "The Promise", es un midtempo muy intenso, el largo solo de Tyner es imperdible, y cuando termina Coltrane entra con un alarido del saxo que te deja temblando y hace un solo desquiciado, podrían haber seguido tocando siglos sin aburrirnos. "Alabama" es un tema de aire meditativo, y gran  intensidad dramática, imposible escucharlo sin conmoverse, inspirado en un ataque del KKK a una iglesia baptista, en donde murieron 4 niñas. "Your Lady" parte de una melodía simple, que es una excusa para una jam intensa en donde el grupo ingresa quizás más claramente que en ningún otro track de este disco en los nuevos territorios que el jazz exploraba en aquel momento. "Vilia", original del compositor europeo Franz Lehar, cierra el disco (es en realidad un bonus track adicionado a la edición en CD), es en contraste la pieza más tradicional del disco, buen tema pero nada extraordinario, comparado con lo que vino antes.
No hay más para decir, música en estado puro, por el, a mi modesto entender, mejor saxofonista de la historia del jazz, escuchenla en el orden que quieran, primero el lado romántico y luego el innovador, o viceversa, pero disfruten del talento ecléctico de este genio, no se van a arrepentir.

John Coltrane and Johnny Hartman

1. They say it's wonderfuil
2. Dedicated to you
3. My one and only love
4. Lush life
5. You are too beautiful
6. Autumn serenade

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Live at Birdland (John Coltrane)

1. Afro-Blue
2. I Want To Talk About You
3. The Promise
4. Alabama
5. Your Lady
6. Vilia

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Sangre nueva

Si bien ya no sigo con el detalle obsesivo de antaño a las bandas nuevas de rock (en parte porque ahora hay muchos más grupos que antes y hay que dedicarse full time al tema para estar al tanto de todo), trato de mantenerme informado y abierto respecto de lo que ocurre por ahí, ya que en materia musical (y artística en general), nada hay más peligroso que quedarse estancado en la funesta frase "todo tiempo pasado fue mejor". Como dice el Flaco, "mañana es mejor", aunque a veces nos cueste encontrar dentro de la maraña de sonidos previsibles y calculados con la que nos bombardean hoy a los muchos creadores genuinos que andan dando vueltas por ahí.
Todo esto para decir que este post es para recomendarles a una de las nuevas bandas que más me ha gustado entre las que escuché en los últimos años. Se trata de Fleet Foxes, un quinteto de Seattle formado en 2006 que apenas tiene un EP (Sun Giant) y un LP (Fleet Foxes, el cual estoy posteando aquí), pero que ya ha mostrado que tiene muchísimo para dar, renovando antiguas pero queribles tradiciones musicales anglosajonas -como mucha otra gente, estoy a la espera de su segundo disco, cuya salida está programada para mayo y cuyo melancólico título ya nos adelanta su contenido, "Helplessness Blue".
Cuando los escuché por primera vez, sin saber nada de ellos, pensé que eran una banda inglesa. Esto porque su música me trajo a la memoria a grandes grupos del folk rock inglés como Fairport Convention o Steeleye Span, tanto por el carácter tradicional de sus melodías como por el uso de impecables armonías vocales. La tapa del disco, reproduciendo una pintura de Brueghel, también hacía pensar en la vieja Europa, y las herencias medievales y barrocas (el grupo describe su música como "baroque harmonic pop jams", whatever it means). Pero la cosa es que son yanquis, y que además de esas influencias, que reconocen, también tienen en sus genes musicales a Bob Dylan, Crosby, Stills, Nash and Young y los Beach Boys (acá en particular nótese el parentesco en cuanto al uso de las progresiones armónicas y los arreglos vocales). Más allá de antecedentes, lo importante es que escuchar este disco es un placer, un placer relajado y bucólico, que vale la pena experimentar. Los líderes del grupo son el (muy buen) cantante y guitarrista Robin Pecknold (que escribe todas las canciones) y Skyler Skjelset, quien toca la guitarra y la mandolina. 
El disco comienza con "Sun it Rises", una canción apta para ir a trabajar al campo contento a la mañana junto con tus vecinos, si ya sé, quién va a trabajar contento dirán, pero si tenés que ir, mejor cantar que hacerlo en silencio. "White Winter Hymnal" se basa en unas armonías vocales y una progresión de acordes que te levantan el ánimo inmediatamente y te hacen pensar que, pese a todo, la vida es bárbara. "Ragged Wood" va en la misma línea, pero más polentosa. Con "Tiger Mountain Peasant Song" pasamos a una veta más introspectiva, una balada preciosa para abrazar a la persona que querés mientras caminas por un bosque o navegas en botecito por algún río tranquilo. "Quiet Houses" es quizás la canción que menos me gusta, un mid tempo correcto con unos lindos coros pero que no te llegan a conmover. La cosa levanta con "He doesn`t know why", un tema bien Beach Boys con las típicas armonías ascendentes del grupo californiano. "Heard them Stirring" es otra bella balada. "Your Protector" destaca con sus flautas que te transportan a la campiña inglesa de algún siglo pasado. "Meadowlarks" es una hermosa balada melancólico. Y para probar que estos tipos además de buenos músicos no son nada tontos, el disco cierra con dos de sus mejores temas, "Blue Ridge Mountains", una balada country sencilla pero conmovedera, mi tema preferido del disco, y "Oliver James", aún más austera, donde Pecknold canta apenas sobre la guitarra, y por momentos a capella.
En fin, bellas melodías, buenas voces, arreglos delicados, el primer paso de un grupo que, espero, genere muchos grandes discos más, sangre nueva para renovar nuestro deseo de buena música. Si no conocen este grupo tienen que escucharlo, así que vamos con estos jóvenes zorros, bajen este post y transpórtense a algún bosque misterioso a disfrutar de sonidos tradicionales que siempre van a encontrar quien los retome para renovarlos y regalarlos a las nuevas y viejas generaciones de melómanos.

Fleet Foxes (Fleet Foxes)

1. Sun It Rises
2. White Winter Hymnal
3. Ragged Wood
4. Tiger Mountain Peasant Song
5. Quiet Houses
6. He Doesn't Know Why
7. Heard Them Stirring
8. Your Protector
9. Meadowlarks
10. Blue Ridge Mountains
11. Oliver James

http://www.mediafire.com/?09i8mnp5omg1le9

La temporada de lluvias

¿Les gusta la lluvia? A mí sí, acá en la selva llueve seguido y, salvo cuando se desatan tormentas violentas, la lluvia es un momento de paz, de calma y reflexión, las gotas cayendo sobre la tierra y los árboles generan un ambiente algo hipnótico y melancólico, que invita a pensar más que a hacer. Como este disco que les propongo escuchar hoy, del músico galés John Cale.

Cale se hizo famoso como miembro de la Velvet Underground, en donde tocaba la viola (no hablo de la guitarra eh!), algunos teclados, el bajo en algunas canciones y también hacía coros y segundas voces. Sólo participó de los dos primeros discos de la banda, para los cuales compuso algunos temas y, aunque de forma no oficial, aparentemente tuvo algo (o bastante) que ver con la dirección artística de esas placas, hoy míticas. Peleado con el líder, Lou Reed, se fue de la banda y se dedicó a la producción, a acompañar a otros músicos y luego a su carrera solista, la cual generó algunos muy buenos discos, tanto en solitario  (Paris 1919, Fear, Helen of Troy) como en dúos con Lou Reed (Songs for Drella, dedicado a Andy Warhol, el mecenas de la Velvet) y Brian Eno (Wrong Way Up, un disco que me encanta por cierto). Amante de la experimentación (tuvo formación clásica y antes de entrar a la Velvet se metió en el ambiente del avant garde de la música culta, entrando en contacto con gente como John Cage y otros músicos de esas corrientes), sus discos son siempre interesantes, aunque algunos son de escucha difícil. Otros, sin embargo, como los mencionados más arriba, son más accesibles, y es de esa veta de donde provienen la mayor parte de las canciones que Cale toca en vivo en el excelente disco que les estoy posteando hoy, llamado Fragments of a Rainy Season, grabado durante una gira en 1992. El disco tiene 20 canciones y todo lo que hay es Cale cantando, tocando la guitarra y el piano, más austero imposible. Dos de esas canciones son covers: una inquietante versión de "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley y una hermosísima interpretación de "Hallelujah", de Leonard Cohen (muy superior a la original de Cohen y también mejor a la que aparecen en Shrek), ambos son puntos altos del disco. También destaco la dramática "Dying on the Vine" entre mis preferidas del album. "Chinese Envoy" es misteriosa y etérea. Luego hay tres bonitos temas que musicalizan letras del famoso poeta galés Dylan Thomas, el ligero "Do Not Go Gentle Into That Good Night", el sombrío "Lie Still, Keep Becalmed" y la tensa "On a Wedding Anniversary". Además de "Hallelujah" hay otras piezas delicadas que darán belleza a vuestras almas contemplativas, como "Buffalo Ballet", "Child's Christmas in Wales" o "(I Keep a) Close Watch". En el plano descontrol, gritos y piano machucado destacan "Fear" y "Guts". Con la guitarra encara "Ship of Fools" (otro de los puntos altos del disco), el melanco "The Ballad of Cable Hogue" (pieza de igual título que el western también melancólico del gran Sam Peckinpah), "Thoughtless Kind" (una balada muy linda) y la polentosa "Leaving It Up To You". De sus colaboraciones van dos canciones, la preciosa "Style it Takes" (del disco con Lou Reed) y "Cordoba" (del disco con Eno). Y también canta "Darling I Need You", una enérgica canción de amor, y "Paris 1919", otro de sus  mejores temas, del disco con igual nombre.
Hace mucho tiempo que escucho este disco, desde que salió para ser precisos, y no me canso de hacerlo, es un gran acompañante para una tarde lluviosa, pero no esperen a que llueva para escucharlo, con sol también es un excelente vinilo!

Fragments of a Rainy Season (John Cale)

1. A Child's Christmas In Wales
2. Dying On The Vine
3. Cordoba
4. Darling I Need You
5. Paris 1919
6. Guts
7. Fear (Is A Man's Best Friend)
8. Ship Of Fools
9. Leaving It Up To You
10. The Ballad Of Cable Hogue
11. Thoughtless Kind
12. On A Wedding Anniversay
13. Lie Still, Sleep Becalmed
14. Do Not Go Gentle Into That Good Night
15. Buffalo Ballet
16. Chinese Envoy
17. Style It Takes
18. Heartbreak Hotel
19. (I Keep A) Close Watch
20. Hallelujah

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