En las brumas del tiempo

El 15 de diciembre de 1977 (el día exacto no me lo acordaba, lo googleé, mi memoria no da para tanto, de lo que sí me acuerdo es que el último bis fue un cover, "Algo flota en la laguna", de Pescado Rabioso), un grupo llamado Aquelarre dio un concierto de despedida en el Luna Park, mítico escenario del rock argentino de los '70 (la verdad no estoy cien por cien seguro de que lo publicitaran como despedida, pero en cualquier caso lo fue). Los muchachos volvían de España, donde habían ido un par de años antes con la intención (aparentemente capitaneada por el guitarrista del grupo, Héctor Starc) de exportar el rock cantado en castellano hacia allá. Porque señores, especialmente los jóvenes, no sé si saben que fue por las tierras del Río de la Plata en donde nació la idea de cantar rock en español, mientras en el resto de América Latina y España o el rock era algo inexistente o apenas marginal, o seguía siendo cantado en inglés. Y la exportación de rock argentino empezó antes de Fito Páez o Soda Stereo, niños, y como digo, el bautismo fue con Aquelarre (un poco después fue Moris también para España, y la pegó bastante).

El grupo nació en 1971, cuando  Starc armó un trío con dos ex Almendra, Emilio Del Guercio (bajo y voz líder -esa voz que a veces trae tantas reminiscencias a Spinetta) y Rodolfo García (batería). Hugo González Neira, que venía más del mundo del blues y el jazz, completó el equipo un poco después con sus teclados (además era segunda voz, y cantante principal en muchos temas). Cada uno aportaba distintas cosas al grupo, y en esa confluencia se creó una música original que los invito a escuchar 40 años después de que fuera creada.

Aquelarre grabó 4 discos, y el que les propongo acá es el tercero, "Brumas", más algunos bonus tracks del resto de su producción. El disco arranca con "Parte del día", un muy lindo tema que ejemplifica bien el cruce de influencias del grupo, desde la música progresiva de Floyd o Yes, hasta el blues o el jazz-rock que comenzaba a emerger en aquel momento. "Silencio Marginal" (cantada por Rodolfo García) arranca acústica y hippie, pero el coro vira a lo latino, con una letra intrigante ("si las luces se cruzan al azar, es mentira el silencio marginal de tu seguridad") que puede ser surrealista, o bien secretamente política -muchas letras de Del Guercio tenían un mensaje político de hecho. Sigue "Aniñada", un tema que ejemplifica algo que alguna vez le escuché a Starc (que parece que también dijo alguna vez Steve Howe, el guitarrista de Yes), preciosa melodía y agregados que lo complican para hacerlo "progresivo" (y sí, esa música también tenía sus taras, por eso al final terminó cayendo en desgracia); en todo caso es una balada muy linda, cantada por el propio Starc, con un intermedio épico-progresivo que, en la línea anterior, se podría suprimir para beneficio de la canción. "Brumas en la bruma" es muy spinettiana, un tema lindísimo con arreglos de cuerdas de Rodolfo Alchourron. "Milagro de pueblo" es el más rockero del disco, con el vértigo de la guitarra de Starc haciendo de las suyas (quienes lo vimos en grupos como Tantor sabemos como le gusta hacer ruido) y luego viene "Aves rapaces", también con letra política de Del Guercio (en este caso dedicada a los exiliados del golpe de Pinochet), gran canción. El disco cierra con un tema más experimental, "Mirando adentro", con un comienzo jazzero un poco free, una segunda parte cantada por Neira bastante volada, y un cierre con Del Guercio tarareando una melodía campestre.
En 1973 el grupo había sacado un simple con dos muy buenos temas, "Violencia en el Parque" y "Ceremonias para disolver". Esos dos temas aparecieron como bonus track en alguna edición en CD de Brumas, y entonces acá van también en ese orden. "Violencia en el parque" es una de las mejores canciones del grupo, una balada dinámica con gran letra de Del Guercio -nuevamente de claro contenido político, pero no exenta de poesía ("en este parque se conocen tus pies ...")- y el estribillo para cantar entre todos: "quien te puede, quien te puede parar cuando el ave sopla luz de libertad"."Ceremonias para disolver" está marcada por el teclado blusero de Neira, que también canta el tema.
Para completar un panorama de la breve historia del grupo primero van tres canciones del album debut, "Aquelarre", de 1971: el potente "Canto, desde el fondo de las ruinas", "Aventura en el Arbol" (bien blusero, cantado por Neira y con Starc haciendo de Hendrix criollo, excelente tema) y "Movimiento" (también cantado por Neira y con un riff zeppeliniano de Starc). Del segundo disco, "Candiles", del ´73, van otros tres, bien rockeritos, en versión en vivo del disco "Corazones del lado del fuego", grabado en 1998.  "Miren a este imbécil" tiene una larga intro climática de teclado y voz de Emilio, pero luego Starc arranca con un riff contagioso que sube varios cambios la onda del tema. Luego viene "Cruzando la calle", con el piano bluseado de Neira, que también canta, y Starc tocando al palo. "Hermana Vereda" empieza con la guitarra arrolladora de Starc y Del Guercio cantando con mucha polenta una letra enigmática (hay un buen solo de Neira en piano eléctrico). El post cierra con tres temas del último disco del grupo, "Siesta", de 1975. "Pájaro de la locura", quizás mi preferido de Aquelarre ("nadie te preguntó si lloras al dormir ...") , la balada "Savia de los Aromos" y "Canto Cetrino" (antes de que Sting hiciera Roxanne, Del Guercio cantaba "para quien preparas tu sonrisa de medianoche, nena que caminas en la vereda", el tema es de Starc, curioso que compusiera baladas cuando le gusta tocar a mil).

En fin, no me quiero poner en vejete nostalgioso, pero no puedo dejar de extrañar aquella época. Toda esta música fue hecha en un momento de explosión de creatividad y una gran intransigencia con la música "comercial", lucha que hoy parece tonta cuando todos coreamos los temas de los Decadentes, pero sin la cual, como dijo también Starc en algún lado, hoy estaríamos todavía con Trocha Angosta (para los que no saben quienes eran, googleen) y sus sucesores. Aún con sus errores y sus grandilocuencias, esta gente tenía una idea y si te gustaba bien y si no también (en esto el Flaco por supuesto estuvo adelante de todos siempre). Por suerte, aunque no faltaban las peleas por las canciones, las tapas, los títulos, etc., conseguían gente que les edite sus discos (como el recientemente fallecido Jorge Alvarez), en un mundo donde todavía, de nuevo por suerte, no le consultaban al público lo que quería escuchar antes de editar un disco. Porque el público en su mayoría va a querer lo mismo que siempre ... Pero esta es otra discusión, creamos, volviendo al Flaco Spinetta, que mañana es mejor, por ahora escuchen estos sonidos que vienen de la bruma del pasado pero que siguen sonando muy bien

Al final del post el link para descarga, si quieren escuchar el tema en You Tube pinchen acá

https://www.youtube.com/watch?v=qjvuMALOPFQ

Aquelarre, "Brumas" más bonus tracks

"Brumas"

1. Parte Del Día
2. Silencio Marginal
3. Aniñada
4. Brumas En La Bruma
5. Milagro De Pueblo
6. Aves Rapaces
7. Mirando Adentro
8. Violencia en en el parque (Bonus track)
9. Ceremonias para disolver (Bonus track)

"Aquelarre"

10. Canto, desde el fondo de las ruinas

11. Aventura en el árbol

12. Movimiento

"Candiles"

13. Miren a este imbécil

14. Hermana vereda

15. Cruzando la calle

"Siesta"

16. Pájaro de la locura

17. Savia de los aromos

18. Canto Cetrino

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Memoria personal, memoria colectiva

Apenas dos tipos, uno (que tenía 75 años cuando se grabó este disco), Charles Lloyd, una leyenda del jazz, tocando saxo tenor y alto y flautas. Otro, que tenía 38 años cuando se grabó este disco, Jason Moran, una de las grandes promesas, o más bien realidades, del jazz actual, de quien ya posteé algo en este blog, tocando el piano y también tamborín en alguna pista. Un vinilo claramente intimista, "Hagar's Song" (dedicado a la memoria de la bisabuela de Lloyd, que a los diez años fue sacada de su casa en Mississippi y vendida a un esclavista en Tennessee), grabado en 2013 para el sello alemán ECM. La placa mezcla standards, covers de los Beach Boys (Lloyd fue sesionista en varios discos de ellos) y Bob Dylan, y un par de originales de Lloyd. Es de lo mejor que escuché en los últimos años y quiero invitarlos a que lo que escuchen.

El primer tema, "Pretty Girl" (del gran Billy Strayhorn), es una balada muy dulce y Lloyd realza esa cualidad dándole un sonido cálido a su saxo, mientras que Moran aporta toques sutiles desde el piano; su solo es un ejemplo de contención y emoción en simultáneo. Luego los muchachos la emprenden con uno de los temas más famosos de Ellington, "Mood Indigo", y lo hacen con un espíritu juguetón en sus respectivos solos, una perlita. Sigue otro clásico de clásicos, "Bess, you is my woman now", un Gerschwin de Porgy and Bess; Lloyd y Moran hacen una versión diferente a las tradicionales pero que respeta la esencia de la pieza, con mucho diálogo creativo entre los músicos incluido. "All about Ronnie" es otra balada preciosa, que el dúo toca con mucho lirismo. "You've changed" sigue en la veta romántica, es increíble la tersura que logra Lloyd con el saxo, sin caer nunca en lo pegajoso. "Rosetta", de uno de los pioneros del jazz, el pianista Earl Hines, empieza con el tremendo swing de Moran sobre el que luego Lloyd toca la melodía muy relajadamente. Hacia el final del disco llegan los covers, primero "I Shall be Released", que empieza con una cadencia repetitiva de Moran, a la cual se suma enseguida Lloyd tocando con mucho sentimiento la conocida melodía de Bob Dylan (el solo de Moran es muy original para un tema como este).  El disco cierra con "God Only Knows", uno de los temas más lindos de los Beach Boys, ultra romántico, tocado con mucha delicadeza por estos dos músicos; es excelente el cierre que le da Moran al tema y al disco. Realmente llama la atención como logran hacer versiones inteligentes y al mismo tiempo fieles al espíritu original de estas dos canciones tan transitadas. Los dos temas de Lloyd, "Pictogram" y "Hagar's Suite" son los de escucha más compleja. El primero es el más abstracto del disco, en tanto que el segundo está compuesto por cuatro movimientos que de algún modo relatan la historia de la bisabuela de Moran. El primero ("Journey Up River"), tiene un aire selvático, un viaje nocturno por el río misterioso. El segundo ("Dreams of White Bluff"), abre con Moran tocando un motivo de gran intensidad emotiva para después ceder el protagonismo al saxo, que parece reflejar las emociones y reflexiones de Lloyd al recordar la experiencia de su bisabuela. "Alone" arranca con una melodía exótica tocada por Lloyd en la flauta, a la cual luego  Moran aporta un sonido claramente percusivo de su piano. La suite cierra con "Bolivar Blues", con Moran tocando  un riff cadencioso, que luego da lugar a una larga intervención bastante etérea y meditativa de Lloyd con su saxo.

En fin, que vale la pena escuchar este disco, que mezcla calidez y experimentación, que apela a la emoción pero también a la curiosidad del oyente, y recorre distintos caminos musicales sin perder coherencia. Lloyd viaja para recordar la terrible historia de su bisabuela, pero también ambos músicos nos llevan en un viaje que recorre buena parte de la historia de la música popular americana del siglo XX con respeto pero también con espíritu innovador. Les parece poco?

Charles Lloyd, Jason Moran, "Hagar's Suite"

1. Pretty Girl
2. Mood Indigo
3. Bess, You is my Woman Now
4. All About Ronnie
5. Pictogram 
6. You've Changed
7. Hagar Suite: Journey Up River
8. Hagar Suite: Dreams of White Bluff
9. Hagar Suite: Alone
10. Hagar Suite: Bolivar Blues
11. Hagar Suite: Hagar's Lullaby
12. Rosetta
13. I Shall Be Released
14. God Only Knows

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Los puños hacia el cielo

Hoy les voy a proponer un disco (doble) de una banda canadiense llamada "Godspeed You! Black Emperor". La palabra "indie" se usa de manera muy abusiva, nomás vas a Amazon y ponés "indie rock" y te aparecen discos de Arctic Monkeys o los Killers. Lo mismo vale para "rock alternativo". Los Strokes son alternativos si los comparamos con Miley Cyrus, pero con ese criterio todo el rock es "alternativo" e "indie". En fin, cuestiones del marketing y la manía clasificatoria. Todo esto para decir que esta banda es verdaderamente "indie" y "alternativa". Y hacen una música sorprendente, que se resiste a las taxonomías (en Wikipedia lees que son un grupo de "post-rock", otra palabrita que no significa demasiado ...). Yo los descubrí no hace mucho, pese a que andan dando vueltas desde 1994 (mala mía) y me he fanatizado bastante. Si escuchan este disco seguro se suman al club.

Quienes son estos chicos? Empezaron como trío y su nombre lo sacaron de un documental japonés de 1976 que trataba sobre una banda de motociclistas llamados "The Black Emperors" (si alguien lo encuentra y me pasa el link agradecido, yo no lo hallé). A poco de largar comenzaron a sumar gente, y en el disco que les posteo ("Lift your Skinny Fists Like Antennas to Heaven", el segundo de los cinco que hicieron) ya eran nueve: Thierry Amar y Mauro Pezzente (bajo), David Bryant (guitarra eléctrica), Bruce Cawdron y Aidan Girt (batería y percusión), Norsola Johnson (cello), Efrim Menuck (guitarra y teclados), Roger Tellier-Craig (guitarra) y Sophie Trudeau (violín), más un par de músicos invitados en caños. Como ven, ninguno canta y sí, claro, porque esta gente hace música instrumental, aunque con uso abundante de grabaciones de voces (y en general cintas diversas), como podrán comprobar aquí. Pese a esta ausencia de letras, los tipos tratan de pasar un mensaje político y varios de ellos son anarcos (parece que en una gira por EEUU en 2003 los detuvieron pensando que eran terroristas). Tensiones, crescendos, climax, repeticiones hipnóticas, sonidos extraños, son las marcas de estilo de este grupo, que puede pasar de momentos "pastoriles" hasta tormentas sonoras en medio minuto.
El disco tiene cuatro temas que se organizan, al estilo de la música clásica, en movimientos. El movimiento inicial ("Lift your Skinny Fists Like Antennas to Heaven"), del primer tema ("Storm") arranca con una melodía bucólica, con cuerdas, delicados toques de la guitarra y sutil percusión. Luego entra en un crescendo hasta alcanzar un climax orquestal celebratorio. La primera mitad del segundo movimiento ("Gathering Storm/Il pleut a morir" -que buenos nombres tienen los temas!) tiene un clima un poco más denso, con guitarras rockeras, interludios de disonancia y finalmente una carga de caballería que hace honor al título. Sigue un breve movimiento con anuncios de un shopping, en castellano e inglés, que recomiendan a los clientes no comprar bienes ni servicios de gente que ande ofreciendo cosas por ahí (muy simpático), y el movimiento final ("Cancer Towers on Holy Road Hi-Way") es bastante funerario, con los teclados aportando dramatismo, y unas voces confusas en el fondo que resultan bastante desesperantes.
El segundo tema ("Static"), arranca con un movimiento ("Terrible Canyons of Static") con ruidos ferroviarios e industriales. Luego vienen dos movimientos breves, "Atomic Clock" y "Chart #3", el último de los cuales incluye una voz de un predicador sobre un colchón de cuerdas y suena dulcemente apocalítico. Sigue "World Police and Friendly Fire", que parte de una melodía hipnótica, la guitarra repitiendo la misma secuencia de notas y violines y teclados en capas por arriba creando una atmósfera de deformada calma que luego desemboca en un estallido de furia. Es extrañamente hermoso. La última parte ("The buildings they are sleeping now") es directamente siniestra, llena de sonidos perturbadores.
El tercer tema ("Sleep") empieza con la voz de un señor mayor recordando cuando Coney Island era el "playground of the world", y un día el se perdió allí, en la playa; es todo nostalgia ("ya nadie duerme en la playa ..." escuchamos). Enseguida aparece una guitarra que mantiene el clima nostálgico (abriendo el segundo movimiento, llamado "Monheim"), y luego se agregan las cuerdas, sobre una suave capa de sonidos, y enseguida te ves en una playa brumosa y solitaria. El tema sigue en el mismo aire melanco, pero va mutando de manera sutil, con la batería sumando una tensión que se descarga progresivamente a medida que la canción va ganando en intensidad para terminar en un climax paroxístico puntuado por las intervenciones de la guitarra. El último movimiento del tema ("Broken Windows, Locks of Love Pt. III") vuelve a la tranquilidad solo por un rato, ya que a poco de empezar la música se torna más movediza, casi invitándote a levantarte de la silla y bailar  (aprovechá porque en este disco mucho baile no hay ...).
El ultimo tema ("Antennas to Heaven") inicia con una melodía country, y luego sigue con breves movimientos que son básicamente caos sonoros entre industriales e infantiles. A continuación, hay un largo movimiento que tiene un título notable ("She Dreamt She Was a Bulldozer, She Dreamt She Was Alone in an Empty Field"), que alterna fragmentos oníricos, órganos pesados y episodios rockeros. Los dos movimientos finales son apropiadamente misteriosos, y la música finalmente se va disolviendo, y nos deja en un espíritu contemplativo, pensando en qué fue lo que estuvimos escuchando; me parece que es un disco que a cada uno le va a convocar distintas cosas, es una música abierta, y en una época de mensajes cerrados, esto es algo que sin dudas es bienvenido.

Supongo que les habrá quedado claro que la música de "Godspeed ..." es cualquier cosa menos convencional. Mi consejo: anímense a escucharla, hay belleza, melancolía, furia, miedo, drama, 

desesperación y optimismo, todo junto por el mismo precio. Dónde van a encontrar algo igual?


Godspeed You! Black Emperor, "Lift your Skinny Fists Like Antennas to Heaven" 

Disco uno
1. "Storm" –
   "Lift Yr. Skinny Fists, Like Antennas to Heaven..."
   "Gathering Storm/Il Pleut à Mourir [+Clatters Like Worry]"
   "Welcome to Arco AM/PM...' [L.A.X.; 5/14/00]"
   "Cancer Towers on Holy Road Hi-Way"
2. "Static"
   "Terrible Canyons of Static"
   "Atomic Clock."
   "Chart #3"
   "World Police and Friendly Fire"
   "[...+The Buildings They Are Sleeping Now]"
Disco dos
1, "Sleep"
   "Murray Ostril: '...They Don't Sleep Anymore on the Beach..."
   "Monheim"
   "Broken Windows, Locks of Love Pt. III."
2. "Antennas to Heaven"
    "Moya Sings 'Baby-O'..."
    "Edgyswingsetacid"
     "[Glockenspiel Duet Recorded on a Campsite In Rhinebeck, N.Y.]"
    "'Attention...Mon Ami...Fa-Lala-Lala-La-La...' [55-St. Laurent]"
    "She Dreamt She Was a Bulldozer, She Dreamt She Was Alone in an Empty Field"
    "Deathkamp Drone"
    "[Antennas to Heaven...]

http://www.mediafire.com/download/lg8j13jyyhpgndt/LYSF.rar

Glorias del Imperio

Fue solo de grande que comencé a prestarle atención a los Kinks. Cuando era adolescente y empecé a meterme en el mundo del rock, sabía de su existencia pero, en mi ignorancia, los consideraba una especie de Beatles de segunda. Mala suerte para ellos ser una banda de pop y rock inglesa en la era de aquellos monstruos (y más cuando entre 1965 y 1969 no pudieron tocar en Estados Unidos después de algunos desastres que hicieron en una gira). Pero ciertamente su música todavía suena bien (y ha influido a muchísimas bandas posteriores), y hoy puedo abjurar de aquel juicio fácil, y disfrutar de este grupo que hizo algunos discos excelentes entre mediados de los '60 y principios de los '70.
Los miembros permanentes de The Kinks fueron los hermanos Dave y Ray Davies (que se han peleado a muerte muchas veces; como ven, los Gallagher no inventaron nada en este rubro). El primero era el guitarrista líder del grupo y cantaba en algunas canciones (las que componía) y el segundo era el vocalista y el compositor de la mayor parte de los temas, además también de tocar guitarra y teclados. En el disco que les posteo ("Lola vs Powerman and the Moneygoround")  los acompañan Mick Avory en batería y percusión (quien también fue miembro del grupo desde sus inicios hasta los '80), John Dalton en bajo y John Gosling en teclados. "Lola ..." fue grabado en 1970 y tuvo, como otros vinilos de la banda (y de muchas otras en aquella época) un diseño "conceptual", que gira en torno a la crítica a la industria musical y sus miserias. Es mi preferido personal en la discografía de los Kinks (aunque no es el que más agrada a los fans ni a la crítica, pero bueno, hago este blog para mostrar lo que me gusta a mí no?).

El vinilo está  LLENO de canciones buenas (y con mucha variedad de estilos), pero mis favoritas son las dos que compuso Dave Davies, "Strangers" y "Rats". La primera es una balada realmente preciosa, que se te instala en la oreja y el cerebro y no sale más; con el tiempo se ha convertido en una de mis canciones preferidas. La segunda, en contraste, es el tema más rockero del disco, y tiene una sensación de urgencia y desesperación que uno no siempre asocia con la música de estos muchachos.
Pero como les decía hay otros números altos. Por empezar, "Lola", que es el tema más conocido del disco, y trata sobre un episodio de "confusión sexual" que aparentemente sufrió el manager de la banda y dio origen a una letra muy graciosa y a una canción inoxidable. Hay muy lindas baladas además de "Strangers" ("A long way from home", "This Time Tomorrow" y "Get Back in Line"), que no son nada románticas sino más bien melancólicas, temas pop con melodías pegadizas ("Apeman"), music hall ("The Moneygroround"), canciones más rockeritas ("Powerman", "The Contenders", "Top of the Pops", "Got to be Free"), en fin, para todos los gustos.
En los bonus tracks que vienen en la edición que les estoy posteando hay un par de versiones instrumentales y otras alternativas de algunos temas del disco, pero lo más importante es que hay dos canciones que nunca aparecieron en un LP de The Kinks y que son realmente notables: "Anytime" (otra balada melanco) y "Good Life" (tema marchoso con letra satírica). Cuantas canciones buenas que tendría Ray Davies en el cajón como para descartar éstas que hubieran aparecido en cualquier disco de otra banda!!

Entonces ahora derechito se ponen a escuchar "Lola" .., un disco esencialmente inglés de una de las bandas más esencialmente inglesas de todos los tiempos. Les va a gustar!

The Kinks, "Lola versus Powerman and the Moneygoround"

1.  The Contenders

2.  Strangers

3.  Denmark Street

4.  Get Back in Line

5.  Lola  

6.  Top of the Pops

7.  The Moneygoround

8.  This Time Tomorrow

9. Long Way From Home

10. Rats

11. Apeman

12. Powerman

13. Got to Be Free
14. Anytime
15. The Contenders (Instrumental Demo)
16. The Good Life
17. Lola (alternative version)
18. This Time Tomorrow (Instrumental)
19. Apeman (alternative version)
20. Got to Be Free (alternative version)


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Jazz a las trompadas

De las series de dibujos animados que vi de grande, con mis hijos, la que más me gustó, por lejos, fue "Pinky y Cerebro". Para los que no la conocen, se trataba de dos ratones genéticamente modificados, uno de los cuáles es un genio (arrogante y frustrado) -Cerebro- y otro un tonto (simpático y de buen corazón) -Pinky-. Al final de cada episodio, Pinky invariablemente preguntaba lo mismo: "Cerebro, qué vamos a hacer esta noche?" Y Cerebro contestaba: "Lo mismo que hacemos todas las noches Pinky: tratar de conquistar el mundo!". Por cierto, ellos nunca lo lograron, pero los dos protagonistas de este vinilo sí.
Uno de ellos es Miles Davis, un genio arrogante como Cerebro, pero para nada frustrado. Y es fácil imaginar que si alguno de los tremendos músicos con los que tocó (no elegía a Pinkys como compañeros) le hubiera preguntado: "Miles, qué vamos a hacer esta noche?", él hubiera contestado: "Lo mismo que hacemos todas las noches: tratar de revolucionar el jazz".
Porque señores, Miles Davis revolucionó el jazz (y la música popular) no una, sino varias veces. A fines de los '40 lideró el proyecto que daría origen a "Birth of the Cool", disco seminal del llamado cool-jazz. Luego fue uno de los que músicos que promovió el surgimiento del llamado hard-bop a comienzos de los '50. A fines de esa década grabó el que muchos consideran (me incluyo) el disco más importante de la historia del jazz, "Kind of Blue", dando nacimiento al jazz modal. Y a fines de los '60 trajo la electrónica al jazz, y la mezcló con psicodelia, funk y rock, abriendo la cancha para la fusión y los demás movimientos que vendrían de ahí en adelante. Esto además de los dos tremendos quintetos que formó en los '50 y '60, y de sus excepcionales trabajos con la orquesta de Gil Evans.

Si hiciéramos una lista de los mejores músicos de jazz entre los '40 y los '80, sería mucho más fácil nombrar a la gente con la que no tocó, que aquella con la cual sí tocó. Y con todo esto, todavía no hay un post de Miles Davis en este blog ...
Ahora voy a reparar esta omisión penosa. El vinilo que les propongo tiene apenas dos temas, su título es "A Tribute to Jack Johnson", y sin dudas su tapa es más famosa que la música que contiene (es una de las fotos más icónicas de Miles). Pero la música que contiene es un hito en la evolución del jazz y de la música popular del siglo XX en general y ustedes, amigos, no pueden dejar de escucharla.
Quien fue Jack Johnson? Un boxeador de comienzos de siglo XX que fue el primer campeón  mundial negro de peso pesado de la historia (entre 1908 y 1915). También, aparentemente, un bon vivant que disfrutaba de las mujeres (blancas preferentemente), las bebidas caras y los autos rápidos. Todo esto lo cuenta el propio Miles Davis en las líneas que acompañan al disco. Y claro, se podrán imaginar que este despliegue estuvo lejos de ser bien visto por la sociedad de la época; hubo una campaña para incitar a que un boxeador blanco le ganara, cosa que nadie pudo hacer pese a varios intentos, hasta que al final le inventaron un delito (cruzar de un Estado a otro con una mujer en su auto con "propósitos inmorales") y lo condenaron a prisión; para escapar a la cárcel se fugó a Europa, pero luego volvió y se entregó. Pasó un año encerrado, y se las arregló para inventar tres herramientas (incluso patentó una de ellas). Luego de salir peleó, ya con menor fortuna, hasta los 60 años (en los últimos tiempos obviamente eran más representaciones para ganarse la vida que deporte). Murió a los 68 en un accidente de auto, tras salir enojado de un restaurante donde se habían negado a servirle (el racismo lo persiguió hasta el final ...). Ha habido varias campañas para que Johnson obtenga un perdón póstumo por el falso delito que le colgaron, lideradas tanto por políticos (como John Mc Cain), como por deportistas (como Mike Tyson), pero por ahora no le ha sido concedido.
En suma, Johnson, otro genio arrogante, fue una de las primeras celebridades del deporte, con la particular condición de llevar una vida escandalosa y desafiante, que enojaba tanto a los blancos como a muchos negros. No es extraño que esta vida rebelde y transgresora llamara la atención de Davis (que fue boxeador amateur y fanático de ese deporte), quien aceptó la propuesta que le hizo Bill Cayton para que se encargara de la música de un documental sobre la vida de Johnson.
El personal del disco, que fue grabado en 1970, incluye a John McLaughlin en la viola, Billy Cobham en batería, Herbie Hancock en piano, Steve Grossman en saxo soprano y Michael Henderson en bajo. Pero como verán abajo, también hay otra gente involucrada, porque este es un disco de laboratorio, ya que es resultado de una mezcla de ediciones que hizo Teo Macero (el productor) a partir de distintas tomas. De hecho, parece que en los primeros meses de 1970 Miles tuvo a varios músicos yendo y viniendo en el estudio y grabando distintos temas -o improvisando-, y luego esas secciones formaron parte de éste y otros discos.  O sea que "A Tribute to Jack Johnson" es, podríamos decir, un mix entre la espontaneidad y el caos creativo de las grabaciones (y si siguen leyendo verán que esa espontaneidad incluye cuotas de azar) y el trabajo de edición y "collage" que hizo Macero en el estudio; un innegable producto de la modernidad, un montaje musical.
El primer tema del disco se llama "Right Off"y comienza con una jam que es una verdadera aplanadora sónica liderada por McLaughlin (parece que Miles le dijo, "tocá la guitarra como si no supieras tocar la guitarra"; y de verdad que John le hizo caso, porque el sonido que saca es totalmente innovador) acompañado de Cobham y Henderson, quienes tocan por más de dos minutos hasta que entra Miles con el sonido inconfundible de su trompeta (parece que de hecho los tres estaban zapando y Miles entró al estudio y en lugar de interrumpirlos se sumó a la zapada). Si algo puede llamarse "jazz-rock" es lo que sigue, porque la base rítmica es claramente rockera y hasta "sucia", pero arriba de esa ebullición planean las improvisaciones de Miles con un aire claramente fundado en el jazz y el blues. A los 10 minutos más o menos Teo Macero mete un interludio de relax con la trompeta de Miles sonando arriba de un loop electrónico, y el tema retoma con un solo de Grossman, primero contra la base frenética del trío guitarra-bajo-batería y luego apenas sobre el bajo de Henderson. Y de repente entra Hancock con la mano pesada en un órgano Farfisa; lo gracioso es que Herbie pasaba por ahí a dejarle un disco a Miles y este le dijo, "entrá y tocá". Y lo escuchamos al pobre tratando de ver qué le salía, porque venía de hacer las compras .... Luego vuelve el trío guitarra-bajo-batería con un riff funk-rockero que ha sido  afanado por un montón de gente y al final retoma el groove original. Lo que sigue hasta el cierre del tema es el resultado de la interacción de seis músicos en combustión espontánea. Son 25 minutos que deben estar entre lo mejor que ha producido la música del siglo pasado.
El lado B es "Yesternow", un tema más tranquilo y etéreo (un tema con mucho "espacio" entre los sonidos) cuya primera parte comienza con la guitarra y el órgano tocando suave sobre una línea de ostinato del bajo (que está tomada de un tema de James Brown, "Say it Loud. I'm Black and I'm Proud"), y arriba Miles planeando con delicadas notas de su trompeta. Seguramente sus efectos mejoran bajo el efecto de alguna sustancia ligeramente alucinógena. En el medio del tema hay, al igual que en "Right Off", un interludio, en donde Macero usa como puente un solo de Miles grabado originalmente para otro disco genial, "In a Silent Way", y luego viene una segunda parte (titulada "Willie Nelson", aunque este nombre no aparece en la edición original) grabada con otra formación (no acreditada en el disco original!), con dos guitarristas, McLaughlin y Sonny Sharrock, Chick Corea en piano eléctrico, Dave Holland en bajo, Jack DeJohnette en batería, y Bernie Maupin en clarinete. Esta segunda sección es más funky que la primera, y de hecho va ganando en intensidad y también en su carácter experimental, especialmente gracias a los sonidos esotéricos que mete Sharrock gracias al uso del Echoplex.
El disco cierra con unas palabras que dice  un actor en la piel de Jack Johnson; "I'm black. They never let me forget it. I'm black alright. I'll neve let them forget it." Como ven, este vinilo es un manifiesto musical y también político.
A los puristas del jazz que no aguantan al Miles eléctrico les digo, no jodan  y déjense llevar por las olas de este disco, sumérjanse en las mareas de música que proponen Miles y sus socios, olvídense de las estructuras y métanse en este caos de brutal creatividad. Y a los que no les gusta el jazz y prefieren el rock, les digo, entren y prueben, ustedes buscan energía? Acá la van a encontrar .... y en dosis letales. Amigos, esto en verdad no es ni rock ni jazz, es música, extraordinaria, y lo único que tienen que hacer es dejar los prejuicios atrás y, eso sí, escucharla BIEN FUERTE!


Miles Davis, "A Tribute to Jack Johnson"

1. "Right Off"
2. "Yesternow"

http://www.mediafire.com/download/91o5cyd7ty253et/A+Tribute+To+Jack+Johnson.rar