Glorias del Imperio

Fue solo de grande que comencé a prestarle atención a los Kinks. Cuando era adolescente y empecé a meterme en el mundo del rock, sabía de su existencia pero, en mi ignorancia, los consideraba una especie de Beatles de segunda. Mala suerte para ellos ser una banda de pop y rock inglesa en la era de aquellos monstruos (y más cuando entre 1965 y 1969 no pudieron tocar en Estados Unidos después de algunos desastres que hicieron en una gira). Pero ciertamente su música todavía suena bien (y ha influido a muchísimas bandas posteriores), y hoy puedo abjurar de aquel juicio fácil, y disfrutar de este grupo que hizo algunos discos excelentes entre mediados de los '60 y principios de los '70.
Los miembros permanentes de The Kinks fueron los hermanos Dave y Ray Davies (que se han peleado a muerte muchas veces; como ven, los Gallagher no inventaron nada en este rubro). El primero era el guitarrista líder del grupo y cantaba en algunas canciones (las que componía) y el segundo era el vocalista y el compositor de la mayor parte de los temas, además también de tocar guitarra y teclados. En el disco que les posteo ("Lola vs Powerman and the Moneygoround")  los acompañan Mick Avory en batería y percusión (quien también fue miembro del grupo desde sus inicios hasta los '80), John Dalton en bajo y John Gosling en teclados. "Lola ..." fue grabado en 1970 y tuvo, como otros vinilos de la banda (y de muchas otras en aquella época) un diseño "conceptual", que gira en torno a la crítica a la industria musical y sus miserias. Es mi preferido personal en la discografía de los Kinks (aunque no es el que más agrada a los fans ni a la crítica, pero bueno, hago este blog para mostrar lo que me gusta a mí no?).

El vinilo está  LLENO de canciones buenas (y con mucha variedad de estilos), pero mis favoritas son las dos que compuso Dave Davies, "Strangers" y "Rats". La primera es una balada realmente preciosa, que se te instala en la oreja y el cerebro y no sale más; con el tiempo se ha convertido en una de mis canciones preferidas. La segunda, en contraste, es el tema más rockero del disco, y tiene una sensación de urgencia y desesperación que uno no siempre asocia con la música de estos muchachos.
Pero como les decía hay otros números altos. Por empezar, "Lola", que es el tema más conocido del disco, y trata sobre un episodio de "confusión sexual" que aparentemente sufrió el manager de la banda y dio origen a una letra muy graciosa y a una canción inoxidable. Hay muy lindas baladas además de "Strangers" ("A long way from home", "This Time Tomorrow" y "Get Back in Line"), que no son nada románticas sino más bien melancólicas, temas pop con melodías pegadizas ("Apeman"), music hall ("The Moneygroround"), canciones más rockeritas ("Powerman", "The Contenders", "Top of the Pops", "Got to be Free"), en fin, para todos los gustos.
En los bonus tracks que vienen en la edición que les estoy posteando hay un par de versiones instrumentales y otras alternativas de algunos temas del disco, pero lo más importante es que hay dos canciones que nunca aparecieron en un LP de The Kinks y que son realmente notables: "Anytime" (otra balada melanco) y "Good Life" (tema marchoso con letra satírica). Cuantas canciones buenas que tendría Ray Davies en el cajón como para descartar éstas que hubieran aparecido en cualquier disco de otra banda!!

Entonces ahora derechito se ponen a escuchar "Lola" .., un disco esencialmente inglés de una de las bandas más esencialmente inglesas de todos los tiempos. Les va a gustar!

The Kinks, "Lola versus Powerman and the Moneygoround"

1.  The Contenders

2.  Strangers

3.  Denmark Street

4.  Get Back in Line

5.  Lola  

6.  Top of the Pops

7.  The Moneygoround

8.  This Time Tomorrow

9. Long Way From Home

10. Rats

11. Apeman

12. Powerman

13. Got to Be Free
14. Anytime
15. The Contenders (Instrumental Demo)
16. The Good Life
17. Lola (alternative version)
18. This Time Tomorrow (Instrumental)
19. Apeman (alternative version)
20. Got to Be Free (alternative version)


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Jazz a las trompadas

De las series de dibujos animados que vi de grande, con mis hijos, la que más me gustó, por lejos, fue "Pinky y Cerebro". Para los que no la conocen, se trataba de dos ratones genéticamente modificados, uno de los cuáles es un genio (arrogante y frustrado) -Cerebro- y otro un tonto (simpático y de buen corazón) -Pinky-. Al final de cada episodio, Pinky invariablemente preguntaba lo mismo: "Cerebro, qué vamos a hacer esta noche?" Y Cerebro contestaba: "Lo mismo que hacemos todas las noches Pinky: tratar de conquistar el mundo!". Por cierto, ellos nunca lo lograron, pero los dos protagonistas de este vinilo sí.
Uno de ellos es Miles Davis, un genio arrogante como Cerebro, pero para nada frustrado. Y es fácil imaginar que si alguno de los tremendos músicos con los que tocó (no elegía a Pinkys como compañeros) le hubiera preguntado: "Miles, qué vamos a hacer esta noche?", él hubiera contestado: "Lo mismo que hacemos todas las noches: tratar de revolucionar el jazz".
Porque señores, Miles Davis revolucionó el jazz (y la música popular) no una, sino varias veces. A fines de los '40 lideró el proyecto que daría origen a "Birth of the Cool", disco seminal del llamado cool-jazz. Luego fue uno de los que músicos que promovió el surgimiento del llamado hard-bop a comienzos de los '50. A fines de esa década grabó el que muchos consideran (me incluyo) el disco más importante de la historia del jazz, "Kind of Blue", dando nacimiento al jazz modal. Y a fines de los '60 trajo la electrónica al jazz, y la mezcló con psicodelia, funk y rock, abriendo la cancha para la fusión y los demás movimientos que vendrían de ahí en adelante. Esto además de los dos tremendos quintetos que formó en los '50 y '60, y de sus excepcionales trabajos con la orquesta de Gil Evans.

Si hiciéramos una lista de los mejores músicos de jazz entre los '40 y los '80, sería mucho más fácil nombrar a la gente con la que no tocó, que aquella con la cual sí tocó. Y con todo esto, todavía no hay un post de Miles Davis en este blog ...
Ahora voy a reparar esta omisión penosa. El vinilo que les propongo tiene apenas dos temas, su título es "A Tribute to Jack Johnson", y sin dudas su tapa es más famosa que la música que contiene (es una de las fotos más icónicas de Miles). Pero la música que contiene es un hito en la evolución del jazz y de la música popular del siglo XX en general y ustedes, amigos, no pueden dejar de escucharla.
Quien fue Jack Johnson? Un boxeador de comienzos de siglo XX que fue el primer campeón  mundial negro de peso pesado de la historia (entre 1908 y 1915). También, aparentemente, un bon vivant que disfrutaba de las mujeres (blancas preferentemente), las bebidas caras y los autos rápidos. Todo esto lo cuenta el propio Miles Davis en las líneas que acompañan al disco. Y claro, se podrán imaginar que este despliegue estuvo lejos de ser bien visto por la sociedad de la época; hubo una campaña para incitar a que un boxeador blanco le ganara, cosa que nadie pudo hacer pese a varios intentos, hasta que al final le inventaron un delito (cruzar de un Estado a otro con una mujer en su auto con "propósitos inmorales") y lo condenaron a prisión; para escapar a la cárcel se fugó a Europa, pero luego volvió y se entregó. Pasó un año encerrado, y se las arregló para inventar tres herramientas (incluso patentó una de ellas). Luego de salir peleó, ya con menor fortuna, hasta los 60 años (en los últimos tiempos obviamente eran más representaciones para ganarse la vida que deporte). Murió a los 68 en un accidente de auto, tras salir enojado de un restaurante donde se habían negado a servirle (el racismo lo persiguió hasta el final ...). Ha habido varias campañas para que Johnson obtenga un perdón póstumo por el falso delito que le colgaron, lideradas tanto por políticos (como John Mc Cain), como por deportistas (como Mike Tyson), pero por ahora no le ha sido concedido.
En suma, Johnson, otro genio arrogante, fue una de las primeras celebridades del deporte, con la particular condición de llevar una vida escandalosa y desafiante, que enojaba tanto a los blancos como a muchos negros. No es extraño que esta vida rebelde y transgresora llamara la atención de Davis (que fue boxeador amateur y fanático de ese deporte), quien aceptó la propuesta que le hizo Bill Cayton para que se encargara de la música de un documental sobre la vida de Johnson.
El personal del disco, que fue grabado en 1970, incluye a John McLaughlin en la viola, Billy Cobham en batería, Herbie Hancock en piano, Steve Grossman en saxo soprano y Michael Henderson en bajo. Pero como verán abajo, también hay otra gente involucrada, porque este es un disco de laboratorio, ya que es resultado de una mezcla de ediciones que hizo Teo Macero (el productor) a partir de distintas tomas. De hecho, parece que en los primeros meses de 1970 Miles tuvo a varios músicos yendo y viniendo en el estudio y grabando distintos temas -o improvisando-, y luego esas secciones formaron parte de éste y otros discos.  O sea que "A Tribute to Jack Johnson" es, podríamos decir, un mix entre la espontaneidad y el caos creativo de las grabaciones (y si siguen leyendo verán que esa espontaneidad incluye cuotas de azar) y el trabajo de edición y "collage" que hizo Macero en el estudio; un innegable producto de la modernidad, un montaje musical.
El primer tema del disco se llama "Right Off"y comienza con una jam que es una verdadera aplanadora sónica liderada por McLaughlin (parece que Miles le dijo, "tocá la guitarra como si no supieras tocar la guitarra"; y de verdad que John le hizo caso, porque el sonido que saca es totalmente innovador) acompañado de Cobham y Henderson, quienes tocan por más de dos minutos hasta que entra Miles con el sonido inconfundible de su trompeta (parece que de hecho los tres estaban zapando y Miles entró al estudio y en lugar de interrumpirlos se sumó a la zapada). Si algo puede llamarse "jazz-rock" es lo que sigue, porque la base rítmica es claramente rockera y hasta "sucia", pero arriba de esa ebullición planean las improvisaciones de Miles con un aire claramente fundado en el jazz y el blues. A los 10 minutos más o menos Teo Macero mete un interludio de relax con la trompeta de Miles sonando arriba de un loop electrónico, y el tema retoma con un solo de Grossman, primero contra la base frenética del trío guitarra-bajo-batería y luego apenas sobre el bajo de Henderson. Y de repente entra Hancock con la mano pesada en un órgano Farfisa; lo gracioso es que Herbie pasaba por ahí a dejarle un disco a Miles y este le dijo, "entrá y tocá". Y lo escuchamos al pobre tratando de ver qué le salía, porque venía de hacer las compras .... Luego vuelve el trío guitarra-bajo-batería con un riff funk-rockero que ha sido  afanado por un montón de gente y al final retoma el groove original. Lo que sigue hasta el cierre del tema es el resultado de la interacción de seis músicos en combustión espontánea. Son 25 minutos que deben estar entre lo mejor que ha producido la música del siglo pasado.
El lado B es "Yesternow", un tema más tranquilo y etéreo (un tema con mucho "espacio" entre los sonidos) cuya primera parte comienza con la guitarra y el órgano tocando suave sobre una línea de ostinato del bajo (que está tomada de un tema de James Brown, "Say it Loud. I'm Black and I'm Proud"), y arriba Miles planeando con delicadas notas de su trompeta. Seguramente sus efectos mejoran bajo el efecto de alguna sustancia ligeramente alucinógena. En el medio del tema hay, al igual que en "Right Off", un interludio, en donde Macero usa como puente un solo de Miles grabado originalmente para otro disco genial, "In a Silent Way", y luego viene una segunda parte (titulada "Willie Nelson", aunque este nombre no aparece en la edición original) grabada con otra formación (no acreditada en el disco original!), con dos guitarristas, McLaughlin y Sonny Sharrock, Chick Corea en piano eléctrico, Dave Holland en bajo, Jack DeJohnette en batería, y Bernie Maupin en clarinete. Esta segunda sección es más funky que la primera, y de hecho va ganando en intensidad y también en su carácter experimental, especialmente gracias a los sonidos esotéricos que mete Sharrock gracias al uso del Echoplex.
El disco cierra con unas palabras que dice  un actor en la piel de Jack Johnson; "I'm black. They never let me forget it. I'm black alright. I'll neve let them forget it." Como ven, este vinilo es un manifiesto musical y también político.
A los puristas del jazz que no aguantan al Miles eléctrico les digo, no jodan  y déjense llevar por las olas de este disco, sumérjanse en las mareas de música que proponen Miles y sus socios, olvídense de las estructuras y métanse en este caos de brutal creatividad. Y a los que no les gusta el jazz y prefieren el rock, les digo, entren y prueben, ustedes buscan energía? Acá la van a encontrar .... y en dosis letales. Amigos, esto en verdad no es ni rock ni jazz, es música, extraordinaria, y lo único que tienen que hacer es dejar los prejuicios atrás y, eso sí, escucharla BIEN FUERTE!


Miles Davis, "A Tribute to Jack Johnson"

1. "Right Off"
2. "Yesternow"

http://www.mediafire.com/download/91o5cyd7ty253et/A+Tribute+To+Jack+Johnson.rar

Muerte, amor y mística en Illinois

Los dos temas que más me gustan de este disco son “John Wayne Gacy, Jr” y “Casimir Pulaski Day”. El primero se refiere a un famoso asesino serial, conocido como “El payaso asesino”, que violó y mató al menos a 33 adolescentes y jóvenes varones entre 1972 y 1978, para luego enterrar a casi todos ellos en el sótano de su casa en Chicago. El segundo lleva el nombre de una festividad que se celebra en marzo en Illinois en memoria del señor Pulaski, quien peleó con las tropas americanas durante la revolución que comenzó en 1765 y llevaría a la Independencia de los EEUU, pero la letra en realidad hace referencia a una historia personal del músico que grabó el disco, un recuerdo trágico de su infancia o adolescencia temprana, la muerte de su mejor amiga a causa de un cáncer en los huesos (y esa letra refleja también la confusión que causa este hecho tremendo en la visión del -entonces muy joven- autor sobre Dios y la fe).

Puede que esta intro los disuada de escuchar a este hermoso vinilo (y los que han conocido al aviador dan fe de que es tremendamente hipocondríaco y no ve películas ni lee libros que traten sobre enfermedades, así que imagínense lo que ha sufrido al conocer la letra de “Casimir Pulaski Day” …). Pero ojalá que no sea así (también van a tener que atravesar la segunda canción, a mí me pone nervioso pero por razones musicales, igual haciendo skip resuelven el problema!), porque seguramente es uno de los mejores discos de los años 2000. Y su autor, un músico que lleva el enigmático nombre de Sufjan (aparentemente se lo pusieron porque los padres eran miembros de una comunidad espiritual llamada Subud y fue sugerido por el jefe de la misma) Stevens, es una de las figuras más interesantes del panorama actual del rock.

El disco se llama “Illinois”, fue un éxito de crítica en 2005, y era parte de una supuesta saga en la que Stevens quería dedicar un vinilo a cada uno de los 50 estados americanos (antes había hecho otro lindo disco, llamado “Michigan”). Esta tal saga parece que fue solo un invento, pero en todo caso la buena fama de “Illinois” no es ningún invento.

Stevens, a la Mike Oldfield, toca un montón de instrumentos, incluyendo guitarras, teclados, bajo, batería y percusión, diversos vientos, acordeón, vibráfono y, además, compone, canta, arregla y produce el disco. Pese a todo este despliegue necesitó otros músicos, que tocan cuerdas (violín, viola, cello) y de varios cantantes que hacen coros y segundas voces. El disco tiene “apenas” 22 temas (algunos en realidad son breves transiciones, algunas bastante bonitas, entre una y otra canción “de verdad”) y dura “nada más” que 74 minutos, pero no hay momentos de relleno (salvo la segunda canción!).

Ya mencioné mis dos temas preferidos; “John Wayne Gacy, Jr” tiene una melodía decididamente triste y la letra es escalofriante, mientras que “Casimir Pulaski Day” es una canción de aire más naive (y uno podría decir que el disco entero está permeado por un espíritu naive), en la que contrastan los coros femeninos y las entradas juguetonas de los vientos (que pautan buena parte de “Illinois”) con el drama de la letra.

Pero hay otros temas para prestar atención. Como la inquietante (y con claras resonancias religiosas, como otras pistas del disco) “The Seer’s Tower” (por el famoso edificio de

Chicago), que termina con estos ominosos versos.

"Still I go to the deepest grave,
Where I go to sleep alone”.

Pero no es todo tristeza y drama. Por ejemplo, es un placer escuchar el primer tema, contemplativo y soñador, que lleva el simpático nombre de “Concerning the UFO Sighting Near Highland, Illinois". O la más rockerita “The Man Of Metropolis Steals Our Hearts" (sí, porque la creación de la Metrópolis de Superman parece que se inspiró en la Chicago de la vida real).

El disco también tiene sus temas enjundiosos, con instrumentaciones más complejas y brillantes, como por ejemplo “They are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come Back From The Dead!! Ahhhh!" (ya ven que Stevens no carece de humor, no es el único título cómico) “The Tallest Man, The Broadest Shoulders”, “Chicago” o “Come on! Feel the Illinoise”, que le dan variedad a la escucha. Pero yo prefiero las pistas más tranquilas y simples, como “The Predatory Wasp of the Palisades is Out to Get Us” (otro recuerdo amoroso juvenil) o las más campestres “Jacksonville” o “Decatur”, dedicadas a sendas ciudades de Illinois.

El disco cierra con un instrumental, buen final para un viaje geográfico, histórico y personal de alguien que, a las claras, ha escuchado mucha (y muy diversa) música) y que no es solo un muy buen compositor, sino también un arreglador de muy buen gusto (como lo prueban las instrumentaciones y armonizaciones vocales de los distintos temas).

Cierro con estos versos de “John Wayne Gacy, Jr.”, que dan idea del tono confesional del disco, algo que se nota en cada canción, y que es también parte el atractivo de "Illinois"

“And in my best behavior

I am really just like him
Look beneath the floorboards
For the secrets I have hid”

Sufjan Stevens, "Ilinois"

1. "Concerning the UFO Sighting Near Highland, Illinois"
2. "The Black Hawk War, or, How to Demolish an Entire Civilization and Still Feel Good About Yourself in the Morning, or, We Apologize for the Inconvenience but You're Going to Have to Leave Now, or, 'I Have Fought the Big Knives and Will Continue to Fight Them Until They Are Off Our Lands!'"
3. "Come On! Feel the Illinoise!" (Part I: The World's Columbian Exposition – Part II: Carl Sandburg Visits Me in a Dream)
4. "John Wayne Gacy, Jr."
5. "Jacksonville"
6. "A Short Reprise for Mary Todd, Who Went Insane, but for Very Good Reasons"
7. "Decatur, or, Round of Applause for Your Stepmother!"
8. "One Last 'Whoo-Hoo!' for the Pullman"
9. "Chicago"
10. "Casimir Pulaski Day"
11. "To the Workers of the Rock River Valley Region, I Have an Idea Concerning Your Predicament"
12. "The Man of Metropolis Steals Our Hearts"
13. "Prairie Fire That Wanders About"
14. "A Conjunction of Drones Simulating the Way in Which Sufjan Stevens Has an Existential Crisis in the Great Godfrey Maze"
15. "The Predatory Wasp of the Palisades Is Out to Get Us!"
16. "They Are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come Back from the Dead!! Ahhhh!"
17. "Let's Hear That String Part Again, Because I Don't Think They Heard It All the Way Out in Bushnell"
18. "In This Temple as in the Hearts of Man for Whom He Saved the Earth"
19. "The Seer's Tower"
20. "The Tallest Man, the Broadest Shoulders" (Part I: The Great Frontier – Part II: Come to Me Only with Playthings Now)
21. "Riffs and Variations on a Single Note for Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, and the King of Swing, to Name a Few"
22. "Out of Egypt, into the Great Laugh of Mankind, and I Shake the Dirt from My Sandals as I Run"

http://www.mediafire.com/download/faemk1eas31sjeb/Illinois.rar

Una road movie futurista

Y sí, de nuevo Donald Fagen, de nuevo Steely Dan (porque la otra mitad del grupo, Walter Becker, produce y toca la guitarra, cortito, preciso y elegante como siempre, en este disco ... pero ¿qué vamos a hacer? Es una cruzada, porque si hay algo que no puedo entender (entre otras muchas cosas, es cierto), es esto:
¿por qué no está todo el mundo escuchando a estos tipos??????????????????????????????????

Si yo fuera músico quisiera tocar estas canciones y si estuviera en una isla desierta me llevaría todos los discos de Fagen y de Steely Dan. Y saben por qué? Porque es la banda de sonido perfecta para una película en donde vas por la vida y TODO TODO TODO te chupa un huevo ....

Pero por supuesto además esta gente hace una música de primera, con letras irónicas (aunque no se sabe de qué hablan en general) y pasadas por ácido (no por nada el nombre Steely Dan viene de un adminículo sexual nombrado en "El almuerzo desnudo" de William Burroughs), instrumentaciones perfectas, sonido lujoso (obsesión maniática de Becker y Fagen mediante), melodías imbatibles y unas elecciones armónicas inusuales en la música popular (si alguna vez vieron una partitura de algún tema de SD se darán cuenta de lo complejas que son, pese a la engañosa simplicidad de varias canciones del grupo). 

En fin, qué más se puede pedir? Y así y todo, y pese a que tienen sus ultra fanáticos (como yo), mucha gente ni se entera de que existen o no se detiene a prestarles atención. Acá hacemos entonces una modesta contribución a remediar tal grave problema ...

Ya posteé una selección personal de temas de SD (y tengo otra preparada en el horno africano) -http://vinilorabioso.blogspot.com.ar/2010/09/un-grupo-esencial.html- y también el primer disco (magnífico) de Fagen ("The Nightlfly") -http://vinilorabioso.blogspot.com.ar/2011/06/noches-de-radio.html-. Este es el segundo disco de Fagen (tiene otros dos más, que ya postearé obviamente también), se llama "Kamakiriad" y fue lanzado en 1993. 

Ya sé que hay mucha gente fanática de SD a la cual este disco les parece fallido, algo frío, pero yo estoy del lado de los defensores como se imaginan. Una crítica que se le hace es que el sonido de las canciones es un poco demasiado homogéneo, pero si vemos lo que dice el propio Fagen sobre el disco, se trata de una elección estética: "I wanted the groove to be aggressive and yet very relaxed at the same time. The groove is so consistent that when you get to the end of the album, it's easy to loop around back to the first tune". Y así también lo siento yo, es un loop interminable y adictivo.
Además de Fagen y Becker, como siempre desde que comenzaron a trabajar con músicos de sesión, acá toca una multitud de gente, toda muy calificada, la sección de vientos realmente te vuela la cabeza, es tremenda, un bloque de granito con swing!

En general, este disco es quizás el más orientado al funk de toda la discografía de SD y Fagen. Todas las canciones cuentan historias vividas por un personaje del futuro que sale a recorrer el mundo con su "Kamakiri" (mantis religiosa en japonés). En ese viaje el protagonista sortea algunos peligros, se siente perdido, y cuando al final está totalmente abandonado, como no podía ser de otro modo, lo rescata una música que escucha saliendo de una casa, encuentra conocidos, hay ambiente de fiesta, y retoma, recargado, su viaje hacia lo desconocido. 

El disco abre con "Trans-Island Skyway", que empieza con la guitarra funky inconfundible de Becker que le da el tono a toda la canción. La letra nos cuenta que el protagonista recibe su kamakiri, un auto ecológico (con jardín hidropónico atrás!), ultra high tech, y además globalizado ("The frame is out of Glasgow, the tech is Balinese"), con el que va a emprender su viaje.

Sigue "Countermoon", perfecta ilustración de lo que decía Fagen más arriba, groove relajado pero agresivo, grandes coros, pared de caños y una letra de romanticismo retro:

"There's a chill in the air
There's a countermoon
Lovers all beware"

Sin respiro otro temazo, "Springtime", que comienza con Fagen cantando sobre un bajo obsesivo y unas suaves líneas de vientos y del piano, pero enseguida toma ritmo y no para más. Dejense de joder, en lugar de la cumbia y el regaetton que infectan nuestras pistas de baile, pongan este tema, a ver si la gente se queda quieta ...

"Snowbound" es una balada cool y melancólica, con arreglos sutiles, la voz áspera de Fagen y un muy lindo solo de Becker, excelente canción.  Luego viene "Tomorrow's girls", sin dudas uno de los mejores temas del disco, el groove es arrollador. Cómo son las chicas del mañana para nuestro amigo Donald? Vienen de otros planetas!!

"From Sheilus to the reefs of Kizmar
From Stargate and the Outer Worlds
They're speeding towards our sun
They're on a party run
Here come Tomorrow's Girls"

Estas alienígenas caen en un lugar cualquiera ("our town is just like any other ..") y obviamente arrasan con los locales:

"They're landing on the Jersey beaches
Their engines make the white sand swirl
The heat is so intense
Earth men have no defense
Against Tomorrow's Girls"

Pero cuidado, como me dijo alguien hace poco, si los extraterrestres llaman yo prefiero no atender el teléfono ...

"They're mixing with the population
A virus wearing pumps and pearls
Lord help the lonely guys
Hooked by those hungry eyes" 

"Florida Room" efectivamente nos lleva a la playa, daiquiri en mano, pero enseguida "On the Dunes" nos sitúa en un ambiente más gris y reflexivo, otra de mis preferidas, muy linda balada con preciosos toques del piano de Fagen, que parece cantar sobre todo lo perdido cuando uno llega a cierta edad de la vida. Finalmente "Teahouse On The Tracks" nos devuelve un poco del optimismo, vuelve el funk, se escuchan voces de fiesta distendida, pero ojo, que no tenes toda la vida para cambiar: "It's your last chance to learn how to dance at the Teahouse on the Tracks", es un cierre lindísimo para este gran disco.

Subanse a este auto del futuro, si están tristes o preocupados el tour además de llenarlos de buena música les va a levantar el ánimo, y si están bien, bueno, van a estar mucho mejor!!!

De paso, vean en el Facebook de Vinilo un rescate emotivo con un video de hace apenas 40 años con los SD tocando en The Midnight Special, verdadero valor vintage!!!!

Donald Fagen, "Kamakiriad"

1. "Trans-Island Skyway"
2. "Countermoon"
3. "Springtime"
4. "Snowbound"
5. "Tomorrow's Girls"
6. "Florida Room"
7. "On the Dunes" (Fagen)
8. "Teahouse on the Tracks"

https://www.mediafire.com/?r3qg2aqeyjb6nzq

El funk psicodélico de la familia Stone

Sin caer en la nostalgia barata o en la idea de que todo tiempo pasado fue mejor ("mañana es mejor", como dice LAS en su "Cantata"), podemos decir sin miedo a errarle que durante todo el período que va desde fines de los '50 hasta principios de los '70 la música popular en sus diversas vertientes (y en distintas regiones y continentes) atravesó una etapa de continua experimentación e innovación (hoy parece difícil imaginar que algo así pueda repetirse, al menos en las condiciones actuales de la industria, la tecnología y el público, aunque esta es otra historia, para discutir más a fondo otro día).
En cualquier caso, la música negra ciertamente no estuvo ajena a ese proceso, y no hablo sólo del jazz, donde esto es obvio. Y si de innovación en la música negra hablamos, "Sly and the Family Stone", hito fundamental en el desarrollo del funk, es una muestra magnífica. Este grupo, cuyo primer disco ya desde el título aspiraba a la novedad ("A whole new thing", 1967), mezcla soul, blues y rock, le agrega influencias del jazz y de James Brown, más el espíritu psicodélico de la época, para crear una música pionera, que escuchada hoy suena sesentista (por el aire hippie de las letras, el sonido del Hammond) pero a la vez contemporánea y, lo más importante, suena bien, muy bien, y además te hace sentir bien, porque hay una energía contagiosa y una fuerza colectiva que atraviesa todo el disco y se proyecta al oyente.
Estos muchachos de San Francisco estaban liderados por Sly (Sylvester) Stone (Stewart), que además de músico (tocaba teclados, guitarra y bajo) y cantante, fue productor y también DJ en estaciones de radio. Lo de familia era bastante literal, ya que sus hermanos Rose (teclados) y Freddie (guitarra) estaban también en la banda, junto con Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (pionero del slap, la forma de tocar el bajo que uno asocia inmediatamente al funk hoy), Jerry Martini (saxo) y Greg Errico (batería). Había cuatro cantantes principales -los tres hermanos Stone y Larry Graham-, a los cuales se sumaba Cynthia Robinson; estas voces (más las del coro "The Little Sister") pueden sonar al unísono y acercarse al gospel o bien pueden intercalarse en los distintos versos de una misma canción, una práctica infrecuente en la música popular. La misma formación de la banda fue novedosa y disruptiva en su momento, mezclando hombres y mujeres (las cuales no solo cumplían el rol tradicional de cantantes, sino que también eran instrumentistas) y blancos y negros, algo que hubiera sido impensado pocos años atrás en la escena estadounidense fuera del jazz.

La influencia de este grupo en el desarrollo de la música popular ha sido bien fuerte. Solo por nombrar a dos tipos grossos, ya en su momento Herbie Hancock decidió crear sus Headhunters en parte inspirado por ellos, y Miles Davis tocó con Sly en "On the Corner". Y por supuesto, muchos músicos de soul, funk y rock han reconocido también el impacto de la banda, con Prince, claro, a la cabeza. 

El disco que les posteo se llama "Stand!", apareció en 1969 y fue el cuarto que produjo el grupo. Con este vinilo pasaron a la fama y los invitaron a Woodstock, donde causaron sensación. El comienzo es con "Stand!", un tema bastante marchoso, un final a todo gospel y una letra que llama al cambio optimista, típica de la época:
"Stand, don't you know that you are free
Well, at least in your mind if you want to be"

"Don't call me nigger, whitey" es obviamente anti racismo, pero para todos lados, porque la letra también dice "Don't call me whitey, nigger", como ven se trata de peace, love and understanding para todos. "I want to take you higher" es una de las mejores canciones del disco, mezcla el sonido rock de la guitarra de Freddie Stone con el groove del Hammond de Sly, más las voces solistas de todos los miembros de la banda, es un tema complejo y adictivo, una joya. "Somebody's watching you" trae un poco de relax, música cool con una melodía simple aunque de letra paranoica. "Sing a simple song" es puro funk, escuchen las líneas de bajo de Graham y la guitarra de Freddie Stone, más el Hammond, tremendo, parece un tema de Prince grabado ayer. "Everyday People" fue el primer hit del grupo, con una melodía optimista y naive (o más bien dos melodías, porque con una no les alcanzaba). "Sex Machine" es una larga zapada instrumental, donde el grupo muestra su faz más experimental y todos se lucen con sus solos. El cierre vuelve al funk contagioso y optimista, "You can make it if you try", que tiene el aire y la fuerza del gospel. Luego vienen algunos bonus tracks, versiones mono de "Stand!", "I want to take you higher" y "You can make it if you try", más dos temas adicionales, "Soul Clapping II" (para cantar en la Iglesia los domingos) y "My Brain (Zig-Zag)", un instrumental. Y de regalo les posteo "Underdog", un tema ultra potente de su primer disco, y "Luv N Haight" de "There's a Riot Goin on", para un cierre a puro soul y funk, a ver si bailan un poquito que es carnaval!!!
Cuenta la historia que después de este disco la cosa se empezó a pudrir, Sly se hundió mal en las drogas y se metió también la lucha racial (los Black Panthers lo presionaron para que eche a los músicos blancos, la estupidez no tiene color ...), más las peleas internas. De todos modos el grupo siguió y grabó otros excelentes discos, como "There's a riot goin on", pero si los escuchas es claro que ya el tono es más sombrío (y sí, pasamos de paz y amor a las revueltas ..), tanto en las letras como en la música, es otro capítulo, de la música y probablemente también de la vida política y social del mundo, tras la breve esperanza de amor y paz que enarbolaban los hippies. Pero bueno, que no nos atrape el pasado, otro día hablamos del apocalipsis y lo mal que estamos, hoy escuchemos esta música que es atemporal, déjense llevar por el ritmo de Sly y su familia, solos o, mejor, bien acompañados!!

Stand! (Sly and the Family Stone)

1. "Stand!"
2. "Don't call me nigger, whitey"
3. "I want to take you higher" 
4. "Somebody's watching you"
5. "Sing a simple song"
6. "Everyday people"
7. "Sex machine"
8. "You can make it if you try"

Bonus tracks

     9. "Stand!" (mono)

    10. "I Want To Take You Higher"  (mono)

    11. "You Can Make It If You Try"  (mono)

    12. "Soul Clappin' II" 

    13. "My Brain (Zig-Zag)"

Extras

    14. "Underdog"
    15. "Luv n' Haight"

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